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Una retrospectiva de la obra fotográfica de la que se considera la ...

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Una noche, mientras observaba desde un segundo plano el espectáculo de una celebración de sábado por la noche en el bar de George Brown, recuerdo haber pensado que aquellas personas sabían cómo divertirse a lo grande y pasar un buen rato. Eran supervivientes de las dos guerras mundiales y de la Gran Depresión. Conocían bien los tiempos difíciles, pero, cuando llegaba el momento de disfrutar, lo hacían con ganas, festejando como si no existiera el mañana —ni, puestos a decir, el ayer—. Pensé que, tal vez, eran capaces de disfrutar de la vida de esa manera porque habían vivido épocas en las que, realmente, parecía que no habría un mañana. — John Banasiak

John Banasiak nació en 1950 y creció en Harvey, Illinois —al sur de Chicago—, en una comunidad formada por familias de Europa del Este de primera y segunda generación. Su padre trabajaba ajustando moldes en la cercana fábrica de silenciadores Maremont, y John esperaba seguir sus pasos. Animado por un profesor a cursar estudios universitarios, presentó su solicitud a la School of the Art Institute of Chicago (Escuela del Instituto de Arte de Chicago) durante su último año de bachillerato. Tras su graduación, y a raíz del fallecimiento de su padre, John ocupó su puesto de trabajo —y heredó su taquilla— en la fábrica de silenciadores.

En julio, al enterarse de que le habían concedido una beca completa para la School of the Art Institute of Chicago, «el aire pareció cobrar de repente... una claridad que, por arte de magia, abrió una distancia que antes no lograba ver», recuerda. John obtuvo sus títulos de grado (BFA) y posgrado (MFA) en dicha institución, mientras trabajaba como vigilante nocturno en el museo para costearse el material. En 1971, totalmente inmerso en sus clases de fotografía, empezó a trabajar los fines de semana como camarero en el bar de George Brown. Era un lugar conocido, lleno de gente de su entorno; allí comenzó a fotografiar a los clientes, buscando esos «momentos decisivos» que contaban una historia. Las familias polacas, ucranianas e italianas que vivían en la zona se reunían allí para socializar, celebrar, bailar y compartir relatos.

Este volumen reúne 45 imágenes en blanco y negro captadas durante la etapa en la que Banasiak trabajó tras la barra; utilizaba una cámara Kodak Retina plegable y buscaba siempre a «alguien envuelto en una magia atmosférica». Sus fotografías y escritos capturan una época de amistades estrechas, una vida sencilla y recuerdos no expresados ​​de los dolorosos años de la Segunda Guerra Mundial, de la cual solo habían transcurrido 26 años.

Las fotografías de Banasiak forman parte de las colecciones permanentes del Walker Art Center, el Tweed Museum of Art, el Kansas City Art Museum, el International Center of Photography, Light Work y el South Dakota Art Museum.

JOHN BANASIAK . George Brown's Bar

ISBN: 978-1-59005-620-2
Tapa dura, encuadernación en tela, 9 x 12 pulgadas, 80 páginas, 47 láminas en duotono.

Estas fotografías fueron realizadas por Bernard Plossu entre 1987 y 1991 en Almería. Forman parte del trabajo “Los Jardines de Polvo Almerienses”. Una obra profundamente marcada por la fascinación que el fotógrafo sintió desde niño por los paisajes desérticos.

Esa obsesión nació muy pronto. Su padre, gran viajero y amante de la montaña, lo llevó al desierto del Sáhara cuando Bernard tenía apenas trece años. Allí, con una pequeña cámara Kodak, realizó sus primeras fotografías y descubrió para siempre la atracción por los espacios áridos y silenciosos.  

Años más tarde, durante sus viajes por México y el oeste americano, Plossu desarrolló una de las etapas más destacables de su obra fotográfica: los jardines del polvo. Fue entonces cuando un amigo estadounidense le habló de un lugar en Europa que conservaba la misma atmósfera del western americano: el desierto de Almería.

A partir de 1987, Bernard Plossu comenzó a recorrer los paisajes desérticos almerienses durante más de una década.   Aquellos territorios áridos prolongaban, de algún modo, el recuerdo del Sáhara y del oeste americano. En Francia había conocido ya a la fotógrafa Françoise Nuñez, hija de una familia originaria de Almería. Juntos viajaron al sur de España y ese vínculo con la tierra almeriense terminó convirtiéndose también en una historia de amor y de creación compartida.

De aquellos viajes nacieron sus “años almerienses”, una etapa esencial en la obra de Plossu, donde el desierto de Almería dejó de ser únicamente paisaje para convertirse en memoria, silencio y poesía visual.

“Los paisajes de Paquita” son un fragmento de “Los Paisajes de Polvo Almerienses”. Paisajes que Bernard hizo durante su etapa en Almería. Las copias de este trabajo fueron realizadas por Françoise Nuñez y han estado guardadas durante 30 años por Bernard. 

Los Paisajes de Paquita . Bernard Plossu

Edición limitada de 500 ejemplares
Tamaño: 165 x 220 mm
64 páginas
29 fotografías
Diseño de  underbau
Preimpresión de Eduardo Nave
Impresión en offset tritono por Artes Gráficas Palermo.

Este libro reúne una década (y algo más) de la práctica de Peter Rauch en una única secuencia: fotografías, pequeñas exposiciones, objetos que se convirtieron en imágenes e imágenes que empezaron a comportarse como objetos. El volumen retoma hilos de la serie Objects (Some Objects y More Objects) e incorpora proyectos posteriores en los que la cámara se adentra en el terreno de la instalación, para luego regresar a su punto de partida. No se trata de un catálogo, sino más bien de una suerte de reconfiguración. La obra de Peter se sitúa entre el pensamiento y la acción: la arquitectura de los huesos, la fotografía sostenida entre las manos y la teoría flotando en el aire. Él percibe «objetos» allí donde la mayoría no ve nada: restos mundanos, fragmentos modernistas, superficies y uniones; la forma en que un pequeño elemento puede alterar un espacio entero; esa leve inquietud que surge cuando nuestra atención se fija en aquello que solemos ignorar.



Peter Rauch . 2, 3

Paris Photo-Aperture Award Shortlist 2026


Andreja Rauch; Peter Rauch; Žiga Testen
Editorial: Perimeter Editions
ISBN: 9781922545503
176 págs., ilustraciones en color y blanco y negro, 20 x 28 cm, rústica, inglés

Cruising Diaries es, a la vez, una celebración y una provocación: un retrato del placer queer en su estado más crudo, secreto e incontenible. Este fotolibro-diario explora el lenguaje visual esquivo del cruising —una práctica queer de deseo anónimo que tiene lugar en espacios públicos, donde los cuerpos negocian el consentimiento a través de la mirada, el gesto y el instinto—. Franco Dupuy captura lo que resulta casi imposible de mostrar: encuentros fugaces, códigos no verbalizados y momentos que se desvanecen tan rápido como aparecen. Ambientado en lugares que se transforman al caer la noche —parques, estaciones de tren, playas—, el libro documenta un mundo que se resiste a la cámara, pero que, al mismo tiempo, insiste en ser visto.

Cruising Diaries · Franco Dupuy

Paris Photo-Aperture Award Shortlist 2026

Autor: Franco Dupuy
Editorial: Set Margins'
ISBN: 9789083499352
256 págs., ilustraciones en color y blanco y negro, 10 x 20 cm, rústica, inglés

Dead Letter Room es una correspondencia transhistórica con el fallecido poeta japonés Hara Tamiki (1905–1951). Conocido por su escasa producción en prosa durante el periodo anterior a la Segunda Guerra Mundial y la inmediata posguerra, Hara es admirado principalmente por «Flores de verano» (Summer Flowers), un relato sobre el bombardeo atómico de Hiroshima, del cual él mismo salió con vida. Hara se convierte tanto en figura histórica como en colaborador, a medida que la obra explora cómo la violencia, la memoria y la pérdida se configuran a través de los archivos históricos. Presentada como una colección de trece cartas imaginarias escritas entre Allie Tsubota (EE. UU.) y Hara, la correspondencia profundiza en el legado del desastre atómico, al tiempo que teje una narrativa flexible —potencialmente ficticia— que trasciende el tiempo histórico. La obra incluye imágenes procedentes del archivo militar estadounidense sobre el Japón bajo ocupación en 1945 —que Tsubota aborda como un instrumento político—, así como fotografías tomadas por la propia Tsubota en Hiroshima y Tokio.

Allie Tsubota. Dead Letter Room — Una correspondencia transhistórica con Hara Tamiki

Paris Photo-Aperture Awards Shortlist 2026

Editorial: The Eriskay Connection
ISBN: 9789493363397
240 págs., ilustraciones en color, 17 x 30 cm, tapa dura, japonés/inglés

Un gato deambula, se posa y descansa en diversos rincones de un modesto apartamento en Tokio. El animal se muestra perfectamente tranquilo en su entorno, desarrollando su vida cotidiana con total naturalidad. En una imagen, el gato yace plácidamente entre macetas en el balcón, entrecerrando los ojos bajo la luz de la mañana; en otras, se equilibra precariamente en el borde de la bañera, se acurruca bajo un saco de dormir, juega en una caja de cartón o se esconde debajo de un paraguas abierto. De vez en cuando, aparece en el encuadre algún rastro del otro habitante del apartamento —un ser humano que, además, resulta ser el fotógrafo japonés de renombre internacional Takashi Homma—: una rodilla, un pie, un mechón de pelo rubio, unas gafas o un fragmento de su rostro.

Takashi Homma . This Is Not My Cat

Paris Photo-Aperture Award Shortlist 2026

Editorial: Perimeter Editions
ISBN: 9781922545510
80 págs., ilustraciones en color, 11 x 18 cm, tapa blanda, inglés

Afghanistanism es un proyecto fotográfico de larga duración de Joël van Houdt sobre Afganistán, que reúne imágenes capturadas entre 2010 y 2022. Lejos de repetir los clichés habituales de los medios de comunicación, el libro reflexiona sobre las complejidades que implica observar Afganistán desde una perspectiva externa, así como sobre los límites del propio reportaje realizado por extranjeros. A través de fotografías tomadas a lo largo de más de una década, Van Houdt explora las consecuencias de la guerra y la intervención extranjera, prestando atención, al mismo tiempo, a las realidades más silenciosas, surrealistas y profundamente humanas de la vida cotidiana.

Muchas de las fotografías que componen Afghanistanism fueron realizadas al margen de encargos editoriales, durante largas caminatas por Kabul y otras ciudades. El resultado es un conjunto de obras que trasciende la cobertura centrada en los titulares, dando cabida a la resiliencia, el humor, la incertidumbre y la generosidad, junto a la violencia y la agitación política. El libro, diseñado por Sybren Kuiper y autoeditado, es fruto de los años que Van Houdt vivió y trabajó en el país, periodo que incluye una estancia de cinco años en Kabul.

Joël van Houdt es un fotoperiodista independiente neerlandés residente en Londres. Estudió Fotografía y Diseño en Bradford y se graduó en la Real Academia de Arte de La Haya en 2003. Un proyecto de seis meses en Afganistán, iniciado en 2010, se convirtió en una estancia de cinco años; desde entonces, Afganistán ha seguido siendo uno de sus temas de interés a largo plazo, junto con la migración y el antiguo espacio soviético. Su trabajo ha aparecido en publicaciones como The New York Times Magazine, The Wall Street Journal, Der Spiegel, Stern y FT Weekend Magazine.

AFGHANISTANISM . Joël van Houdt

Paris Photo-Aperture Award Shortlist 2026

Edición de 1000 ejemplares.
Joël van Houdt – Afghanistanism
Editorial: Joël van Houdt, 2026
Tapa blanda, 276 páginas, en inglés
Tamaño: 34 × 23,2 cm

Una retrospectiva de la obra fotográfica de la que se considera la primera mujer fotoperiodista del País Vasco, y una de las primeras de España.

Cubrió con su cámara desde las épocas más duras de la violencia de ETA en Euskadi y los atentados de Sendero Luminoso en Perú hasta la escena cultural e internacional con el retrato de músicos y artistas.

Una mirada fotográfica audaz y rica en matices, de la realidad y de la sociedad, pero, sobre todo, un libro que constituye el resultado de la vida y obra de una mujer intrépida, valiente y honesta, que supo hacer de su pasión una profesión; de su búsqueda personal, una reafirmación constante; de sus pulsiones vitales, un método de trabajo; y de su vida, un fructífero viaje.

Isabel Azkarate

Isabel Azkarate
244 páginas
24 x 28 cm
Cartoné
9788410048003

La vida de Joana Biarnés es la de una mujer que se negó a aceptar los límites que su tiempo le imponía. En plena dictadura, cuando a muchas mujeres se les reservaba un papel invisible, ella tomó una cámara y se abrió camino hasta convertirse en la primera fotógrafa contratada por un periódico en España. 

Con determinación y talento, retrató a figuras como Orson Welles o los Beatles, mientras construía una carrera excepcional en un mundo regido por inercias y privilegios masculinos. 

Pero su historia también es la de un silencio injusto: en los años ochenta abandonó el fotoperiodismo, se reinventó lejos de los focos y cayó en el olvido. No fue hasta décadas después cuando, casi sin buscarlo, llegó el reconocimiento que siempre mereció.


Joana Biarnés . No será fácil

Jordi Rovira

Texto Español
596 páginas
14 x 21 cm
Cartoné
9791387881467

«Me interesa el momento en que una imagen resulta difícil de ubicar; cuando algo parece familiar, pero ya no logras distinguir exactamente qué estás viendo ni cómo se ha creado».
Francesco Gioia

We Have Learned to Distrust Images (Hemos aprendido a desconfiar de las imágenes) es una exploración vívida de la tensión entre lo que una imagen parece mostrar y cómo se ha elaborado realmente. A través de la fotografía y el collage, Francesco Gioia combina sus propias fotografías callejeras con imágenes y material impreso que descubre rebuscando en periódicos y revistas. Tras encontrar y seleccionar las imágenes, recorta, combina y superpone estos fragmentos, transformando sus contextos originales antes de fotografiar los collages resultantes.

En una época en la que cada vez es más difícil distinguir si una imagen constituye una prueba, una invención, un documento o algo intermedio, el artista aborda esta incertidumbre abrazando un proceso totalmente físico y analógico. Consciente del contexto actual, en el que nuestra relación con la imagen fotográfica cambia rápidamente, Gioia rechaza la manipulación digital en favor del toque humano, el azar y una serie de decisiones tangibles. Las fotografías resultantes ocupan un espacio incierto entre lo familiar y lo imposible, invitándonos a reconsiderar qué es una imagen y cómo llegamos a creer en ella.

Francesco Gioia . We Have Learned to Distrust Images

16,8 × 22 cm
96 páginas
Encuadernación en tapa dura con lomo en tela

ISBN 978-618-5479-53-4

Francesco Gioia es un artista afincado en Londres (Reino Unido) que trabaja con fotografía y collage. Sus collages se elaboran a partir de periódicos y revistas de las décadas de 1920 a 1960, procedentes de todo el mundo, así como de una amplia variedad de materiales impresos que incluyen ilustraciones, publicaciones periódicas, catálogos y revistas científicas. Galardonado con numerosos premios internacionales, su obra se ha publicado en *The Guardian*, *The Washington Post*, *La Repubblica*, *Vanity Fair*, *NZZ am Sonntag Magazine* y otras publicaciones destacadas. Su fotografía «Woman in Red» fue la imagen de portada de la reedición de 2025 de la obra *Les Grandes Blondes*, de Jean Echenoz, publicada por Les Éditions de Minuit. Es fotógrafo colaborador de Zeit Magazine. Ha expuesto en el Reino Unido, Estados Unidos, África y Europa, y ha publicado una monografía titulada *57* con Parallel Editions. Entre sus clientes seleccionados figuran Charles Blunier, Xiaomi y Leica. Su obra fotográfica está representada por Stills para su licenciamiento.
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Durante sus estudios en la Universidad Estatal de Pensilvania a principios de la década de 1960, Henry Wessel pasaba los fines de semana viajando a dedo hacia el oeste y regresando. Cada viernes por la tarde, preparaba su mochila, tomaba su cámara y esperaba el siguiente vehículo que lo llevara. El lunes por la mañana estaba de vuelta para asistir a clases, solo para partir de nuevo el fin de semana siguiente; una costumbre irresistible para un joven de Nueva Jersey que, hasta llegar a la universidad, nunca se había aventurado más allá de Filadelfia hacia el oeste. En algún punto del camino, el deseo de explorar el medio fotográfico se volvió inseparable de la búsqueda de aquello que yacía más allá de la vida que él conocía. La fotografía ya no se limitaba a acompañar el viaje; se había convertido en la manera en que él lo comprendía. Más tarde, Wessel describiría la experiencia de forma sencilla: «Es emocionante estar fuera de tu propia mente, con los ojos muy por delante de tus pensamientos».

Esa apertura define Hitchhike. Trabajando de manera intuitiva mientras conducía o al borde de la carretera, Wessel transformó detalles del paisaje estadounidense —a menudo pasados ​​por alto— en fotografías de notable precisión, economía visual e ingenio, permitiendo que los encuentros fortuitos y las alineaciones fugaces dieran forma a una obra que sigue siendo una de las visiones más distintivas de la carretera estadounidense.

Hitchhike, una publicación largamente esperada que abarca más de cuatro décadas de trabajo, fue editada y secuenciada por el propio Henry Wessel, lo que lo convierte en uno de los últimos libros que completó antes de su fallecimiento.

Hitchhike . Henry Wessel

80 PÁGINAS
TAPA DURA
IMPRESIÓN ÓFSET EN DUOTONO
11,5” x 11,5” (aprox. 29 x 29 cm)
ISBN: 978-1-952523-39-7

Henry Wessel (1942-2018) es un icónico fotógrafo estadounidense que retrató incansablemente la arquitectura vernácula y los paisajes sociales de California tras mudarse de la Costa Este al Área de la Bahía en 1971.

Como uno de los fotógrafos participantes en la legendaria exposición *New Topographics*, celebrada en 1975 en el Museo Internacional de Fotografía de la George Eastman House, formó parte de una generación de fotógrafos que transformó la representación del paisaje y el entorno estadounidenses. Con una estética propia de la fotografía espontánea y sencilla, las imágenes de Wessel combinan un aire impasible con un humor irresistible centrado en lo cotidiano. A lo largo de su carrera, recibió dos becas Guggenheim y tres subvenciones del National Endowment for the Arts. Su obra fue objeto de una exposición retrospectiva en el Museo de Arte de San Francisco en 2007 y forma parte de las colecciones de museos de todo el mundo, entre ellos el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), la Tate de Londres, la Galería Nacional de Canadá en Ottawa y el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio. Durante más de cuarenta años, Wessel impartió clases en el departamento de fotografía del San Francisco Art Institute. Desde principios de la década de 1970 hasta su fallecimiento en 2018, vivió y trabajó en Point Richmond, California.
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A la vez testimonio y elegía, across the street from Heaven es una reflexión sobre el tiempo, la memoria y la pertenencia; sobre lo que se desvanece y lo que perdura: el hogar y la familia.

Durante diez años, Taylor Galloway regresó a la granja que la familia de su abuela ha cultivado durante cinco generaciones en Hartwood, Virginia. En conjunto, sus fotografías conforman un coro de rostros y voces cuyas vidas se han desarrollado en esta tierra, dando testimonio de un estilo de vida al borde de la desaparición, a medida que las pequeñas granjas independientes de Estados Unidos ceden paso a la agricultura industrial y al desarrollo urbanístico.

Con respetuosa devoción, las fotografías de Galloway prestan atención a la tierra, a las personas y a los ritmos pausados ​​del tiempo. Hablan del cambio de las estaciones, del envejecimiento de los cuerpos, de habitaciones familiares impregnadas de recuerdos, de la gracia hallada en los momentos compartidos y de un optimismo renovado al ver cómo la siguiente generación toma el relevo.

Al fotografiar este lugar y a sus habitantes, Galloway también rastrea sus propias raíces. Lo que comenzó como un intento de preservar el entorno que forjó a su abuela se convirtió, gradualmente, en el descubrimiento de una comunidad viva a la que él también pertenecía. En última instancia, across the street from Heaven trata menos de preservar el pasado que de descubrir aquello que aún tiene el poder de arraigarnos, y de la certeza de haber encontrado el camino a casa.


Across the street from Heaven . Taylor Galloway


Ensayos de Brad Zellar y Taylor Galloway
136 páginas
Tapa dura
Impresión offset a todo color
11,25” x 10,75”
ISBN: 978-1-952523-38-0



Taylor Galloway es un artista radicado en Los Ángeles cuya obra se centra en la historia personal y en las fuerzas que ejercen presión sobre el individuo, moldeando la realidad y la memoria. Su trabajo se ha expuesto a nivel nacional e internacional y ha sido publicado en The New York Times. across the street from Heaven es su primera monografía.