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Nos montes de Galicia celébranse dende fai moitos anos as rapa das bestas. O autor desta proposta leva xa máis dunha década documentado esta tradición para o proxecto Raza, que se está a deseñar en forma de libro exposición e a montaxe dunha curtametraxe.

Cada ano, durante os meses de verán os homes e mulleres dalgunhas zonas do rural galego suben o monte a sanear os caballos que se atopan vivindo en liberdade (desinfección, corte de crines, marcaxe de poldros e venda de animais). Este encontro do home e o animal é o que se vai a documentar neste ensaio visual.

Despois de máis dunha década, por os montes de Galicia na procura de imaxes, un acaba quedándose co proceso, xa non importan as fotografías, o importante é o tempo e o espazo percorridos.

Non estou interesado en captar unha realidade concreta, eu tento usar a fotografía para explorar as relacións do ser humano co medio, en Raza as imaxes quero que funcionen como incógnitas dentro do relato, arquetípicas, que non quede claro o que está a acontecer, suxerir e non contar, vou a procura do invisible, convidando ás persoas espectadoras a unha experiencia alternativa. Trato de realizar un traballo que adquira unha dimesión universal, máis abstracta, que fale sobre sobre a humanidade, pero creo que finalmente é inevitable acabar falando dun mesmo.

Raza quere tamen afondar na realidade social do rural de Galicia para reflexionar sobre outros conceptos máis universais. Centrarémonos na relación que o ser humano ten cos animais, neste caso cos cabalos e consigo mesmo, para falar sobre cousas máis xerais: o modo de vida, a memoria, a soedade o territorio e a súa transformación.

Pretendese construir un relato composto de imaxes con certo enigma, hibridandoas con outras fotografías máis abstractas, de corpos e texturas que se misturan e que intentan trasladar ás persoas que as ollan a unha dimensión paralela.

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En los montes de Galicia se celebra desde hace años las “rapa das bestas” o curros. El autor lleva  más de una década documentando esta tradición para el proyecto denominado Raza, que se está en forma de libro, exposición y el montaje de un cortometraje.

Cada año, durante los meses de verano los hombres y mujeres de algunas zonas del rural gallego suben al monte a sanear los caballos que se encuentran viviendo en libertad (desinfección, corte de crines, marcaje de potros y venta de animales). Este encuentro del hombre y el animal es lo que se va a documentar en este ensayo visual.

Despues de más de una década, por los montes de Galicia en la búsqueda de imágenes, uno acaba quedándose con el proceso, ya no importan las fotografías, lo importante és el tiempo y el espacio recorridos.

No estoy interesado en captar una realidad concreta, yo intento usar la fotografía para explorar las relaciones del ser humano con el medio, en Raza las imágenes quiero que funcionen como incógnitas dentro del relato, arquetípicas, que no quede claro lo que está sucediendo, sugerir y no contar, voy a la búsqueda de lo invisible, invitando a las personas a una experiencia alternativa. Trato de realizar un trabajo que adquiera una dimesión universal, más abstracta, que hable sobre la humanidad, pero creo que finalmente es inevitable acabar hablando de uno mismo.

Raza quiere profundizar en la realidad social del rural de Galicia para reflexionar sobre otros conceptos más universales. Quiere centrarse en la relación que el ser humano tiene con los animales y la naturaleza, en este caso con los caballos y consigo mismo, para hablar sobre cosas más generales: el modo de vida, la memoria, la soledad del individuo, del territorio y de su transformación.

Se pretende construir un relato compuesto de imágenes con cierto enigma, que se hibriden con otras fotografías más abstractas, de cuerpos y texturas que intentan trasladar al espectador a una dimensión paralela.

RAZA . Tono Arias

Firmado y numerado incluye copia A4 papel museo 310 gr (edición de 50)
    
Tirada: 500 ejemplares
PVP: 99 €
Formato: 24x30cm
Cubierta: Tapa dura + golpe en seco.
Interior: 160 páginas
Papel: Munken Lynx Roug  150grs. / 90 grs.
Impresión: cuatricomía 4/4 tintas offset
Encuadernación: Tapa dura cosida. Lomo redondeado.

Analizando los diferentes aspectos que describen el paisaje del noreste italiano y centrándose en la lectura de los factores críticos atribuibles a los progresivos procesos de dispersión y fragmentación, típicos de esta particular área geográfica, OMNE - Observatorio Móvil del Noreste ha continuado las campañas fotográficas iniciadas en 2016 confiando a cinco artistas en residencia y a tres fotógrafos invitados una investigación sobre el territorio del Véneto, proponiendo una reflexión sobre el término Belleza. El volumen está concebido como un estuche que contiene, además de un aparato textual rico en aportaciones de profesores y expertos, entre ellas "¿Salvará el mundo la belleza?", de Salvatore Settis, ocho fichas, una por cada fotógrafo, respecto a una interpretación plural del propio concepto de belleza.

OMNE - OSSERVATORIO MOBILE NORD-EST investiga los aspectos ambientales, arquitectónicos, antropológicos, sociales y culturales del noreste de Italia a través de un enfoque artístico. El origen del proyecto está en la idea de un camino, un recorrido por el territorio en busca de las posibles relaciones entre el espacio, el paisaje y el cuerpo que lo habita.

OMNE / BELLEZA - AAVV


Octubre de 2021
Caja con 9 volúmenes
22,5x31,5x6,5cm
374 páginas
ISBN 978-88-94895-48-3
-
Comisariado por Stefania Rössl, Massimo Sordi
Diseñado por Damiano Fraccaro / Otium

Artistas: Gianantonio Battistella, Francesca Cirilli, Anne Golaz, Vittorio Mortarotti, Igor Ponti, Antoine Séguin, Massimo Sordi, Marco Zanta

Era verano y, como muchos niños, pasaba mis días en un campamento de verano. Una noche llegué a casa muy excitado y después de haber cenado con mi abuela subí al piso de arriba, donde vivíamos mi madre y yo, con la intención de ir a dormir. Al entrar, vi a mi madre y a un hombre sentados en el sofá viendo la televisión. Mi madre me preguntó cómo me había ido el día y no pude evitar mostrarles a ambos lo que había aprendido. Me puse a bailar y cantar delante de la televisión durante unos 10 minutos, hasta que el hombre interrumpió mi actuación diciendo "Es tarde, será mejor que me vaya", seguido de la mirada de mi madre hacia mí. Tras despedirse del hombre, mi madre volvió a entrar en la casa gritándome "¿Cómo es posible que los hagas huir a todos?".

I Made Them Run Away es una historia de múltiples capas que entrelaza imágenes y fotografías familiares con textos escritos por la madre de la artista. Reúne recuerdos del pasado y sentimientos del presente para investigar la dinámica de las relaciones: la necesidad de atención, las expectativas que provocan desilusión, inseguridad y juicio. Cambiando entre los distintos puntos de vista, Zanin describe la recurrente y complicada relación en triángulo entre ella, su madre y el "hombre", no constante, representado sobre todo como una ausencia en la obra.

I MADE THEM RUN AWAY . Martina Zanin

Octubre 2021
Tapa blanda
Otabind
16,5x23,5cm
132 páginas
ISBN 978-88-94895-50-6
-
Diseñado por Martina Zanin y Melissa Pallini

El primer monólogo fotográfico de Scott Caruth, "Molatham", es un verbo árabe que se traduce literalmente como "cubrirse la cara", pero que se utiliza de forma vernácula en Palestina para describir a cualquiera que se resista a la ocupación israelí. En este contexto, el verbo sitúa el papel fundamental que desempeña el medio fotográfico en la ocupación israelí de Cisjordania, ya que para resistirse a ella, los palestinos deben permanecer en el anonimato.

Partiendo de este punto, "Molatham" de Scott Caruth es la culminación de un esfuerzo de seis años por archivar la práctica social de la fotografía de estudio en Cisjordania. Como instancias en las que los palestinos han elegido representarse a sí mismos a través del medio de la fotografía, el proceso de colaboración del retrato de estudio restablece esa agencia política que se niega a través del uso de la vigilancia por parte de los ocupantes o del "marco fetichista de destrucción, violencia o pérdida" de los fotoperiodistas.

Iniciado en 2013, "Molatham" explora los archivos de dos destacados estudios fotográficos de Cisjordania: Studio Havana y Studio Chaplin en Ramallah. La evolución del propio medio fotográfico, desde las fotografías tintadas a mano en blanco y negro hasta las que utilizan Photoshop en la actualidad, puede rastrearse cronológicamente. El libro explora cómo las estructuras físicas de los propios estudios han sido objeto tanto de acceso restringido como de destrucción. A continuación, el libro explora el modo en que estos objetos fotográficos personales y relativamente privados pasan a convertirse en piezas centrales de la mirada pública, imágenes ampliamente difundidas que forman un nexo central de la resistencia palestina; dentro de la iconografía y la propaganda políticas, antes de rastrear su exhibición y posterior desintegración en el paisaje urbano de Cisjordania.


MOLATHAM . Scott Caruth

Trolley Books presenta el primer monólogo fotográfico de Maisie Cousins que comprende sus imágenes más icónicas de los años 2015 - 2019. Las imágenes se seleccionan de una combinación de tres de sus series más significativas, de ahí el título 'Rubbish, Dipping Sauce, Grass Peonie Bum'. El prólogo es de Simon Baker, director de la Maison Européenne de la Photographie de París. "El suyo es un mundo en el que no sólo las cosas desconectadas se parecen entre sí, sino que las cosas no se parecen a sí mismas. En lugar de parecerse, todo está cubierto por una espesa capa viscosa de color brillante; un barniz táctil que transforma las cosas alquímicamente pero que, de alguna manera, también las deja intactas".

El libro presenta 44 imágenes en color emparejadas en gran formato, impresas a todo color en la página. Todas están contenidas dentro de una brillante cubierta dorada de tapa dura, que hace referencia a su instalación de la obra en su primera exposición individual 'Grass Peonie Bum' en 2017 en TJ Boulting, donde tenía un suelo dorado que cubría toda una sala de la galería.

El trabajo de Maisie es siempre intuitivo e instintivo, construye una conexión directa con el público presentando objetos de cerca y viscerales, llenos de color y textura. El libro, por su parte, será una explosión de color para los sentidos, un hermoso y brillante objeto en la mano con el que deleitarse.

Maisie dice: "Quería crear un libro de los últimos cinco años, mis favoritos de diferentes proyectos y cosas intermedias, como lo mejor. Hay muchos temas y composiciones que se repiten. Sentí que no podía pasar de este trabajo sin ponerlo en un objeto tangible. Creo que en una época en la que la producción de imágenes es tan rápida, esperar a hacer un libro me parece realmente importante".

RUBBISH, DIPPING SAUCE, GRASS PEONIE BUM . Maisie Cousins

Introducción de Simon Baker, Director, MEP, París.
Diseño de Jamie Shaw

Finalista del premio al mejor primer libro de Paris Photo Aperture 2019

22cm x 33cm
Monografía de tapa dura
56 páginas
ISBN 978-1-907112-60-7

"En mi última serie fotográfica, The Bully Pulpit, investigo el fenómeno social del ciberacoso a través de los perfiles públicos de las personas que intentan intimidarme. Desde hace años, la gente se esconde detrás de las pantallas de sus ordenadores para intimidar a los demás, hasta el punto de que escribir comentarios críticos es algo común y celebrado. Estos cobardes utilizan Internet para intimidar a quienes consideran más débiles que ellos.

Me fotografié disfrazado como las personas que han intentado intimidarme. Encontrando fotos en la red, he recreado sus imágenes utilizando pelucas, ropa y prótesis sencillas, mientras que las pequeñas imperfecciones reflejan la falacia de que Internet protegerá sus identidades. Por último, superpongo las parodias con transcripciones de los comentarios de los acosadores, casi como si los estuviera "subtweeteando".

Mi inspiración para El púlpito del acoso fue el incontable número de personas que escribieron comentarios malintencionados sobre mí en correos electrónicos, tweets, posts de Instagram, blogs y secciones de comentarios en línea cuando Wait Watchers se publicó en línea y se hizo viral. Pero en lugar de responder individualmente a los "oídos sordos", me di cuenta de que podía parodiar los intentos de los acosadores creando imágenes y publicándolas en Internet -el mismo vehículo utilizado para sus ataques- y las imágenes serían vistas por millones de personas, y vivirían una y otra vez".

Publicado por Fall Line Press en asociación con Trolley Books y TJ Boulting.

THE BULLY PULPIT . Haley Morris-Cafiero

Durante las elecciones presidenciales de 2016 en Estados Unidos, jóvenes locales expertos en tecnología crearon cientos de sitios web de clickbait haciéndose pasar por portales de noticias políticas estadounidenses, con la intención de ganar dinero rápido con los clics de los anuncios de los espectadores. Como los artículos de noticias falsas de Veles se difundieron a millones de personas a través de los algoritmos de Facebook y Twitter, muchos de estos "hackers de noticias" ganaron sumas considerables, y es muy posible que los sitios hayan contribuido a la elección de Donald Trump como Presidente de los Estados Unidos.

La historia de los productores de noticias falsas de Veles es un ejemplo de cómo la información falsa y las "verdades alternativas" son una fuerza en constante crecimiento, y que no es fácil de derrotar.
Viajé a Veles para explorar este improbable centro de desinformación.

Las fotografías de la Veles contemporánea se entremezclan con extractos y facsímiles de un descubrimiento arqueológico de 1919 también llamado "el Libro de Veles": una críptica colección de 40 tablas de madera "antiguas" descubiertas en Rusia por un oficial del ejército, escritas en una lengua protoeslava. Se afirmaba que era una historia del pueblo eslavo y del propio dios Veles, el dios eslavo precristiano de la maldad, el caos y el engaño. Aunque es popular entre los nacionalistas eslavos, la mayoría de los científicos consideran que el texto es una falsificación.

En el Libro de Veles estas dos historias diferentes de "Veles" se entrelazan entre sí, representando los esfuerzos históricos y actuales para producir desinformación y caos.

La exploración de Jonas Bendiksen de la ciudad de Veles, en Macedonia del Norte, mezcla las noticias falsas y la fotografía documental con la antigua mitología eslava. A través de este proyecto, Bendiksen pretende plantear cuestiones críticas en torno a la fotografía, la confianza y la representación de la realidad.

The Book of Veles . Jonas Bendiksen (2nd Printing)

220 x 165 mm, 148 páginas
65 imágenes, 19 reproducciones de páginas históricas

Tapa dura con tableros finos

Cubierta con lámina de plata satinada sobre un material de cuero falso
978-1-910401-61-3

Tierra Mágica es el tercer libro de La Maison sobre el carnaval y los rituales y mascaradas del noroeste de España. Todos los años, el sonido de las campanas emerge de las nieblas que rodean los pueblos e intenta anunciar el fin del invierno, y se oyen gritos y música lejanos. A medida que nos acercamos, empezamos a distinguir árboles que caminan, pájaros fantásticos y figuras más inquietantes. Estas procesiones parecen venir de muy lejos, de las profundidades del tiempo, de debajo de la tierra. El libro del fotógrafo Yannick Cormier transcribe el asombro que nos embarga ante estos personajes, tan temibles como atractivos.

El libro está construido sobre un ritmo que alterna fotografías en blanco y negro (tomadas en formato medio en película) de paisajes brumosos y apariciones repentinas. Estas mascaradas han sobrevivido a los siglos y a las guerras con pocos cambios. Ahora pueden verse como el resurgimiento de un mundo animista anterior a la expansión cristiana. Casi se podría decir que estos trajes encarnan la tierra pagana, en oposición al cielo divino: todos los matices salvajes se reinterpretan en las galas animales, vegetales o quiméricas.

Sigue un desfile de sensaciones que oscilan entre el sueño y la pesadilla, con Yannick Cormier abriendo el balón.

Las fotografías en blanco y negro van acompañadas de un texto de Candice Moise, académica y especialista en el estudio de las máscaras.

TIERRA MÁGICA . Yannick Cormier

Fotografías: Yannick Cormier - Texto: Candice Moise - Epílogo: Cristina García Rodero
Formato: 21 x 25,5 cm - 140 páginas - 61 fotografías
Edición bilingüe: francés, español
Tapa dura, lomo cuadrado encolado, cosido
Portada en papel Wibalin - Estampación en caliente para el título
Impreso en papel Symbol Tatami 135 gr
Texto en pantone plateado impreso en Sirio Ultra Black
Fecha de publicación: 4 de noviembre de 2021

White Shoes es una colección de autorretratos tomados en lugares de Nueva York que fueron fundamentales para la participación de la ciudad en el comercio de esclavos, que en su día quedó oculta y no fue reconocida. Nona Faustine se representa a sí misma en los lugares de subasta de esclavos, en los cementerios, en las granjas de propietarios de esclavos y en los lugares de la costa en los que atracaban los barcos de esclavos, posando desnuda a excepción de un par de zapatos blancos de tacón alto. Al documentarse en lugares donde la historia se hace tangible, Faustine actúa como conductora o receptora, en solidaridad con personas cuyos nombres y recuerdos se han perdido pero están incrustados en la tierra.
A través de una autorrepresentación silenciosa pero desafiante, Faustine responde a una historia de representación de la población negra moldeada por la subyugación, la frenología y la pseudociencia. Sus complejas imágenes de gran formato hacen referencia y responden a una serie de fuentes, como los daguerrotipos de esclavos y las fotografías encargadas por los naturalistas, mientras que su desnudez -que expresa tanto la valentía como la vulnerabilidad- subvierte el legado de los desnudos negros y femeninos en el arte occidental. En todas las imágenes, los talismán zapatos blancos que dan nombre a la serie sugieren las numerosas adaptaciones a la cultura blanca dominante que se exigían y se siguen exigiendo a las personas de color.

A la vez histórico y especulativo, White Shoes confronta la relación entre lo visible y lo invisible, entre lo que se muestra y lo que se oculta.

Incluye textos recién encargados por Pamela Sneed, Jessica Lanay, Jonathan Michael Square y Seph Rodney, junto con una entrevista a la artista realizada por Jessica Lanay.

White Shoes . Nona Faustine

Tapa dura
30 x 29cm, 117 páginas

ISBN 978-1-913620-51-6
Octubre de 2021

White Shoes es una colección de autorretratos tomados en lugares de Nueva York que fueron fundamentales para la participación de la ciudad en el comercio de esclavos, que en su día quedó oculta y no fue reconocida. Nona Faustine se representa a sí misma en los lugares de subasta de esclavos, en los cementerios, en las granjas de propietarios de esclavos y en los lugares de la costa en los que atracaban los barcos de esclavos, posando desnuda a excepción de un par de zapatos blancos de tacón alto. Al documentarse en lugares donde la historia se hace tangible, Faustine actúa como conductora o receptora, en solidaridad con personas cuyos nombres y recuerdos se han perdido pero están incrustados en la tierra.
A través de una autorrepresentación silenciosa pero desafiante, Faustine responde a una historia de representación de la población negra moldeada por la subyugación, la frenología y la pseudociencia. Sus complejas imágenes de gran formato hacen referencia y responden a una serie de fuentes, como los daguerrotipos de esclavos y las fotografías encargadas por los naturalistas, mientras que su desnudez -que expresa tanto la valentía como la vulnerabilidad- subvierte el legado de los desnudos negros y femeninos en el arte occidental. En todas las imágenes, los talismán zapatos blancos que dan nombre a la serie sugieren las numerosas adaptaciones a la cultura blanca dominante que se exigían y se siguen exigiendo a las personas de color.

A la vez histórico y especulativo, White Shoes confronta la relación entre lo visible y lo invisible, entre lo que se muestra y lo que se oculta.

Incluye textos recién encargados por Pamela Sneed, Jessica Lanay, Jonathan Michael Square y Seph Rodney, junto con una entrevista a la artista realizada por Jessica Lanay.

White Shoes . Nona Faustine

Tapa dura
30 x 29cm, 117 páginas

ISBN 978-1-913620-51-6
Octubre de 2021

En Good Hope, Carla Liesching construye un ensamblaje visual y textual fragmentado que orbita en torno a los jardines y terrenos del Cabo de Buena Esperanza en Sudáfrica, un lugar histórico en el apogeo del Imperio, ahora un epicentro de los movimientos de resistencia anticolonial, y también el lugar de nacimiento de la artista. Bautizado por los portugueses en su "Era de los Descubrimientos", la posición del Cabo en el punto medio de la "Ruta de las Especias" fue vista con gran optimismo por su potencial para abrir un valioso pasaje marítimo. El "puesto de avituallamiento" que se instaló allí más tarde puso en marcha los flujos de capital de "este" a "oeste". Good Hope reúne capas acumulativas de prosa documental, ensayos personales y material fotográfico encontrado, junto con fuentes que van desde los diarios comerciales de la época del apartheid, los panfletos turísticos y las revistas National Geographic y Life, hasta los periódicos contemporáneos y los álbumes familiares. Ofrece tanto un examen íntimo y crítico del colonialismo de los colonos blancos en el presente, como un cuestionamiento de la ética y la política implicadas en los propios actos de mirar, descubrir, coleccionar, codificar, preservar, nombrar, conocer y poner en lenguaje.

Good Hope . Carla Liesching

Encuadernación en rústica con solapas OTA
15. 3 x 20,3cm, 192 páginas

ISBN 978-1-913620-42-4
Octubre de 2021

Deana Lawson, la primera publicación académica sobre la artista Deana Lawson, que repasa quince años de su fotografía, se publicará para acompañar la primera exposición exhaustiva de un museo con la obra de Lawson. Lawson, una voz singular en la fotografía contemporánea, lleva más de quince años investigando y desafiando las representaciones convencionales de las identidades negras en la diáspora afroamericana y africana. Su obra muestra numerosos lenguajes fotográficos, como el álbum familiar, el retrato de estudio, los cuadros escenificados, las imágenes documentales y las imágenes encontradas, creando narrativas sobre la familia, el amor y el deseo. Las fotografías de Lawson están hechas en colaboración con sus sujetos, que a veces están desnudos, abrazados y se enfrentan directamente a la cámara, desestabilizando la noción de la fotografía como un medio pasivamente voyeurista. Ya sea en fotografías posadas o en collages ensamblados, las obras de Lawson canalizan ideas más amplias sobre las historias personales y sociales de la vida negra, el amor, la sexualidad, la familia y las creencias espirituales. Esta publicación incluirá selecciones de las fotografías familiares personales de Lawson y de los archivos de imágenes vernáculas que han informado profundamente su obra.

Acompaña a una exposición en el ICA/Boston del 3 de noviembre de 2021 al 27 de febrero de 2022; en el MoMA PS1 del 14 de abril al 5 de septiembre de 2022; y en el High Museum of Art del 7 de octubre de 2022 al 19 de febrero de 2023.


Incluye ensayos de Eva Respini y Peter Eleey (comisarios de la exposición), Kimberly Juanita Brown (profesora del Dartmouth College), Tina M. Campt (profesora de la Universidad de Brown), Alexander Nemerov (profesor de la Universidad de Stanford), Greg Tate (escritor, músico y productor), y una conversación entre la artista y Deborah Willis (profesora de la Universidad de Nueva York).

Deana Lawson . Peter Eleey & Eva Respini (eds)

Encuadernado en piel sintética con punta impresa y texto en relieve
24 x 29cm, 144 páginas

ISBN 978-1-912339-98-3
Noviembre 2021