Nacido de la colaboración entre Yelena Yemchuk y los cofundadores de ...

“Todo o universo é enerxía. Todo o que nos rodea, mesmo o que non ...

Con una duración de tres años (2020-2023), Entre la piel y el mar ...

Las Flores mueren dos veces es un proyecto que explora una relación ...

El padre de Diana Markosian es un retrato diarístico íntimo y ...

Durante su viaje de seis años por Estados Unidos para crear el ...

I'm So Happy You Are Here presenta un contrapunto, un ...

El Lunario de Guido Guidi, un proyecto compuesto a lo largo ...

Un estudio de referencia sobre uno de los fotógrafos estadounidenses ...

Un reino maravilloso, es fruto de tres años de trabajo (2022-2024) ...

La filmografía de Yorgos Lanthimos, elogiada por su ambiciosa ...

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Nacido de la colaboración entre Yelena Yemchuk y los cofundadores de Départ Pour l'Image, Luca Reffo y Francesca Todde, Mise en Abyme es un spin-off del libro anterior УYY, Україна Yelena Yemchuk, publicado en julio de 2022. Si УYY apareció como una ensoñación en un viaje hacia atrás del presente a la juventud, Mise en Abyme continúa en forma de reflejo fantasmal de la mirada en el abismo de la imaginación. La narración original -la secuencia como de flujo de conciencia- se reescribe mediante el montaje de imágenes residuales de pruebas tipográficas, ampliaciones, pinturas y fotografías. El proceso que subyace en el libro sugiere infinitas y diferentes versiones que idealmente podrían repetirse hasta el infinito. Cada ejemplar del libro contiene una impresión original plegada, única y diferente, que es 1/8 de una hoja tipográfica salvada de ser despulpada.

Yelena Yemchuk . Mise en Abyme

235x320 mm | 64 páginas
Inglés
Tapa dura de lino
Lomo redondeado
Offset CMYK

Impresión Munken Blanco 115 g/m
Cubierta en Peyer Duchesse Birkenweiss

Impreso en Italia por Longo spa
Primera edición 1000 ejemplares
Noviembre 2024
ISBN 978-88-947598-2-2




Traducción realizada con la versión gratuita del traductor DeepL.com

“Todo o universo é enerxía. Todo o que nos rodea, mesmo o que non podemos nomear, ten un campo enerxético. Todos temos a capacidade innata de sentir estas forzas. Se traballas niso, poderás espertar esta capacidade e acadar outros niveis de percepción, como o que me permite percibir a enerxía entre as augas.”

ENTRE AS AUGAS recolle o extenso imaxinario creado pola autora, ao redor do seu encontro cun zahorí da provincia de Lugo (Galicia). A eles, atribuimos a facultade de descubrir manantiais de auga subterránea a través do uso de sinxelos instrumentos, como un péndulo ou unha varita de madeira.

ENTRE AS AUGAS, de Ana Núñez Rodríguez, é o resultado do II Premio Editorial de Fotografía Documental Galega, creado e impulsado por FFoco Festival de Fotografía da Coruña, co obxectivo de fomentar a creación e produción de fotolibros con vinculación galega.

Entre as Augas . Ana Núñez

Formato: Tapa blanda
Número de páginas: 36
Fecha de publicación: Outubro de 2024
Medidas: 135 x 220 mm
ISBN: 978-84-09-65304-1

Con una duración de tres años (2020-2023), Entre la piel y el mar surge en un momento de gran agitación colectiva. Lo hiperlocal ocupa un lugar central; realizadas entre las comunidades inmediatas del artista, se desarrollan historias de enredo, relación, conexión e intimidad. Inclinándose hacia las sombras, las fotografías trazan redes de amor, dolor, parentesco, refugio y reparación.


between the skin and sea . Katrin Koenning

Katrin Koenning (1978) es una artista que vive y trabaja en Naarm/Melbourne. Entre la piel y el mar es su primera monografía.
Especificaciones
Fotografías: Katrin Koenning
Edición y secuenciación: Katrin Koenning y Cécile Poimboeuf-Koizumi
Diseño: Cécile Poimboeuf-Koizumi, en colaboración con Perrine Serre
188 páginas
21 x 26 cm
Francés / Inglés
Fecha de publicación: noviembre de 2024
ISBN: 979-10-96383-48-1

Las Flores mueren dos veces es un proyecto que explora una relación padre-hijo llena de pérdida, silencio, muerte, vida y reconciliación. Mi padre murió cuando yo tenía 15 años, pero no me dijeron que había sido un suicidio hasta que cumplí los 30. Fue entonces cuando empecé a revisitar las imágenes, los lugares y los recuerdos que quedaron atrás. Margarito, jardinero de profesión, escribió una carta de despedida en la que hablaba de plantas y decía: «Perdóname y comunícate conmigo».

Tras recibir esta nueva información, empecé a revisitar mi archivo familiar y el último jardín en el que trabajó mi padre utilizando diversas estrategias digitales para alterar las imágenes. Al revisitar los álbumes familiares y manipular los datos estructurales de las fotografías que contienen, deconstruyo las imágenes y las narrativas asociadas a ellas utilizando un glitch o error digital como herramienta. A partir de esta experimentación, creo nuevas imágenes que sirven como metáfora de los «recuerdos corruptos».

Al mismo tiempo, una representación tridimensional del jardín mediante fotogrametría aborda cuestiones relacionadas con la plasticidad de la memoria, representada en las plantas que cultivaba mi padre, que siguen vivas hoy en día. Busco plasmar su ausencia a través de imágenes y establecer un diálogo entre nuestros mundos. La fotografía sirve de punto de partida para cuestionar las narrativas personales y explorar un universo de nueva creación en el que las plantas sirven de puente.

Mi enfoque de la fotografía es fundamental en el proceso de producción. Me interesa cómo las intervenciones tecnológicas alteran el significado primigenio de una imagen, ampliando los medios a nuevas formas de consumo; convirtiéndose en un territorio para cosechar significados, conjurar la transmisión y reivindicar el patrimonio.

Aunque Las Flores mueren dos veces comenzó como una serie fotográfica, se ha convertido también en una experiencia de realidad virtual. Se invita al usuario a viajar a través de la memoria, los pensamientos fragmentados y las diferentes versiones posibles de la realidad que surgen de un cambio en el curso de la historia personal. Las imágenes de plantas y planos de paisajes que comenzaron siendo imágenes bidimensionales se convierten en una nueva realidad inmersiva, que plantea cuestiones sobre los nuevos paisajes que habitamos y las posibilidades discursivas de la fotografía a través de nuevos lenguajes.

Ante todo, se trata de una historia personal contada en tres capítulos de imágenes: I. una serie de fotos analógicas alteradas por código, II. una colección de plantas digitales realizadas siguiendo las instrucciones de mi padre, y III. un jardín inmersivo accesible a través de auriculares de Realidad Virtual.

Este proyecto es mi respuesta a las últimas palabras que escribió mi padre y una invitación a pensar en todas las relaciones que una vez formamos y que siguen desarrollándose después de la muerte.

Las Flores Mueren dos Veces . Cristóbal Ascencio

Premio Fotocanal 2024 de la Comunidad de Madrid

Publicación/Libro
Edición/Publisher Dirección General de Promoción Cultural / Dispara
Coordinación Comunidad de Madrid / Alicia Nieto Fernández
Edición / Cristóbal Ascencio, Tono Arias
Texto/Text Jon Uriarte
Traducción/Translations/Art In Traslation
Diseño/Graphic Design/underbau
Preimpresión / Pre-press / Dispara
Printing / Impresión / Artes Gráficas Palermo



64+64 páginas (dos cuerpos)
16,5 X 22 CM
900 ejemplares
Tapa blanda + estampación
ISBN (Comunidad de Madrid)
978-84-451-4143-4
ISBN (Dispara) 978-84-942245-8-4

El padre de Diana Markosian es un retrato diarístico íntimo y absorbente del distanciamiento y la reconexión, narrado a través de fotografías documentales, instantáneas familiares, textos y efemérides visuales; es una obra de arte en la que el padre de Diana Markosian es el protagonista.


Diana Markosian: Father presenta el viaje de la fotógrafa a otro lugar y a otro tiempo, donde Markosian intenta reconstruir la imagen de un extraño que le resulta familiar: su padre desaparecido hace mucho tiempo. El libro explora la ausencia de su padre, su reconciliación con él y el vacío compartido de su prolongado distanciamiento. Las imágenes, realizadas a lo largo de una década, tienen lugar en la casa de su padre en Armenia. En la primera monografía de Markosian, Santa Barbara (Aperture, 2020), la fotógrafa recrea la historia del viaje de su familia desde la Rusia postsoviética a Estados Unidos en la década de 1990. Father utiliza tanto fotografías documentales como archivos de objetos, cartas e imágenes vernáculas para indagar en los quince años de ausencia y separación de la infancia de la fotógrafa. En este viaje de autodescubrimiento, Markosian plasma de forma conmovedora su anhelo de conexión con un hombre al que apenas recuerda y que le pregunta, cuando lo encuentra: «¿Por qué has tardado tanto?».

Diana Markosian . Father

Formato: Tapa dura
Número de páginas: 144
Número de imágenes: 70
Fecha de publicación: 2024-11-21
Medidas: 6,5 x 8,6 x 0,75 pulgadas
ISBN: 9781597115896

Diana Markosian (Moscú, 1989) se encuentra entre los líderes de una nueva generación de fotógrafos y artistas del objetivo que promueven la narración documental a través de la creación de imágenes. Sus fotografías se han publicado en Vanity Fair, Vogue y el New Yorker. Su obra está representada por la Galerie les filles du calvaire de París. Su aclamada primera monografía, Santa Barbara (Aperture, 2020), fue seleccionada como uno de los mejores libros del año por Time y el Museum of Modern Art Magazine. Es licenciada por la Universidad de Columbia de Nueva York.

Durante su viaje de seis años por Estados Unidos para crear el proyecto que se convirtió en American Geography, Matt Black recogió objetos en los lugares que visitó. Cada lugar se designa como un área de «pobreza concentrada», una definición del censo de EE.UU. para lugares con tasas de pobreza del 20% o más. Con el tiempo, los objetos que encontraba y coleccionaba empezaron a adquirir un significado simbólico.

A medida que Black recorría Estados Unidos, su colección se iba multiplicando: cucharas y tenedores de plástico, billetes de lotería, botellas de licor, mecheros y cajas de cerillas. Algunos objetos eran importantes, como solicitudes de empleo, documentación médica o carnés de conducir; otros eran efectos personales perdidos, como fotografías familiares, pulseras, gafas, notas y cartas. Y también estaban los detritus del trabajo: guantes de trabajo, herramientas y útiles rotos, alambre, tornillos, candados y clavos doblados.

Esta nueva monografía, que se presenta como volumen complementario del seminal fotolibro de Black, American Geography, presenta fotografías de estos objetos, ensamblajes y collages, imágenes inéditas de American Geography y las voces de quienes se ven apartados del «sueño americano».

Estos objetos humildes y desechados forman un retrato de América ensamblado a partir de sus carreteras y aceras, una arqueología de la desposesión. Para los seguidores de la obra fotográfica de Black y de su inquebrantable crítica de la desigualdad en Estados Unidos, este libro es un volumen esencial.

American Artifacts . Matt Black



Formato: Tapa dura
Tamaño: 26,2 x 26,5 cm
Extensión: 172 pp
Ilustraciones: 138
Fecha de publicación: 31 de octubre de 2024
ISBN: 9780500027752

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor DeepL.com

I'm So Happy You Are Here presenta un contrapunto, un complemento y un desafío muy necesarios a los precedentes históricos y al canon establecido de la fotografía japonesa. Esta historia restaurativa presenta una amplia gama de enfoques fotográficos sobre las experiencias vividas y las perspectivas de las mujeres en la sociedad japonesa.

Las editoras Pauline Vermare y Lesley A. Martin, la comisaria y escritora Takeuchi Mariko y las fotohistoriadoras Carrie Cushman y Kelly Midori McCormick ofrecen un marco crítico histórico y contemporáneo para comprender la obra en tres ensayos profusamente ilustrados. Una bibliografía ilustrada y detallada de Marc Feustel y Russet Lederman, y una selección de escritos críticos clave de destacados comisarios, críticos e historiadores japoneses como Kasahara Michiko, Fuku Noriko y otros, muchos de los cuales se publican traducidos por primera vez, aportan un contexto adicional. Aunque este libro no pretende ser exhaustivo o enciclopédico, su objetivo es proporcionar una base sólida para una conversación más profunda sobre las contribuciones de las mujeres japonesas a la fotografía, y un recurso indispensable para cualquier persona interesada en una historia más sólida de la fotografía japonesa.

I’m So Happy You Are Here: Japanese Women Photographers from the 1950s to Now

Formato: Tapa dura

Número de páginas: 440

Número de imágenes: 518

Fecha de publicación: 2024-09-17

Medidas: 8,25 x 11 pulgadas

ISBN: 9781597115537

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor DeepL.com

El Lunario de Guido Guidi, un proyecto compuesto a lo largo de varias décadas, toma el nombre de un almanaque agrícola tradicional para reunir varias líneas de trabajo relacionadas con la luna. La distorsión, la experimentación y la ilusión están presentes en los primeros trabajos de Guidi de finales de los sesenta y principios de los setenta, desarrollados con la introducción del objetivo ojo de pez. La forma física de la luna resuena en todas las obras: en el rostro de una mujer o en la pelota de un niño atrapada entre la luz y la sombra. Los áridos paisajes lunares de Guidi dan paso en los años 80 a fotografías en color, que culminan con el dramático eclipse parcial de sol del 11 de agosto de 1999.

A lo largo de Lunario, Guido Guidi vuelve a la luna como fuente de inspiración estilística y temática: símbolo de melancolía y locura, de mutabilidad y recordatorio constante de la fugacidad de la vida cotidiana.

Lunario, 1968-1999 . Guido Guidi

Tapa dura

30 x 30 cm

ISBN 978-1-912339-67-9

Febrero 2020

Un estudio de referencia sobre uno de los fotógrafos estadounidenses más significativos del siglo XX.

Conocido sobre todo por sus retratos íntimos de comunidades de barrio del suroeste de Estados Unidos, Luis Carlos Bernal realizó fotografías a finales de los años setenta y ochenta que se inspiran en la resonancia del catolicismo, las creencias indígenas y las prácticas populares vinculadas a la tierra. Para Bernal, la fotografía era una potente herramienta para reafirmar el valor de individuos y comunidades que carecían de visibilidad y agencia. Trabajando tanto en blanco y negro como en color, fotografiaba los interiores de las casas y a sus habitantes, a menudo presentando a sus sujetos rodeados de los objetos con los que vivían: retratos enmarcados de miembros de la familia, imágenes y estatuas religiosas, pequeños santuarios adornados con flores y elementos de la cultura popular contemporánea. Bernal consideraba estos espacios ricos en significado personal, cultural y espiritual, y sus inolvidables fotografías expresan una visión de la vida cotidianacomo un estado de gracia. Luis Carlos Bernal. Monografía, el primer gran relato académico de la vida y obra de Bernal, escrito por la prestigiosa historiadora Elizabeth Ferrer, es el libro definitivo : Monografía es el libro definitivo sobre un artista fotográfico esencial.

Coeditado por Aperture y el Center for Creative Photography de Tucson.

Luis Carlos Bernal . Monografía

Formato: Tapa dura

Número de páginas: 220

Número de imágenes: 166

Fecha de publicación: 2024-06-11

Medidas: 8,7 x 10,7 x 1 pulgadas

ISBN: 9781597115575

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor DeepL.com

Un reino maravilloso, es fruto de tres años de trabajo (2022-2024) por la provincia y la ciudad de Cuenca, en un intento de reconstruir un territorio imaginario a partir de la riqueza y variedad de esta provincia. En definitiva, se trata de un viaje fotográfico, sentimental y demorado, a uno de esos reinos maravillosos que siempre están ahí, esperándonos, tal como un día nos enseñó el escritor portugués Miguel Torga, refiriéndose a su Tras-os-Montes natal (con el que Cuenca guarda no pocos paralelismos):

«Voy a hablarles de un Reino Maravilloso. Aunque muchas personas digan que no, siempre hubo y habrá reinos maravillosos en este mundo. Lo que es preciso, para verlos, es que los ojos no pierdan la virginidad original ante la realidad y que el corazón no dude.»

Este libro ha sido posible gracias al apoyo y participación de la Fundación Antonio Pérez. Diputación de Cuenca.

Un reino maravilloso . Navia

Coedición: Fundación Antonio Pérez. Diputación de Cuenca
Diseño: underbau
23,5 x 21,5 cm. 120 pág. Tapa dura entelada
isbn: 978-84-09-65743-8

La filmografía de Yorgos Lanthimos, elogiada por su ambiciosa construcción del mundo y sus exploraciones absurdas de las relaciones humanas, lo ha establecido como uno de los autores más distintivos del cine contemporáneo. Cantaré estas canciones se basa maravillosamente en su renombrado lenguaje visual para contar una nueva e inquietante historia a través de fotografías que Lanthimos tomó en el set de su último largometraje, Kinds of Kindness (2024), habitando un espacio ambiguo entre las ubicaciones reales de Nueva Orleans y el El otro mundo del cine. Entrelazados se encuentran nuevos textos de Lanthimos que evocan el lirismo fragmentado de Safo, de cuya poesía toma el título el libro. 

Lanthimos realiza todas sus fotografías, tanto fijas como en movimiento, en películas analógicas, disfrutando de la intimidad creativa que implica el medio. Estas imágenes en color y en blanco y negro nunca antes vistas se convirtieron en parte de la formación del mundo de su nueva película. Aquí, se convierten en fragmentos que elaboran una historia completamente nueva, rica en tensiones y atmósferas inquietantes que Lanthimos ha hecho suyas. 

i shall sing these songs beautifully . Yorgos Lanthimos

Tapa dura en relieve con imagen inclinada.

21 x 24 cm, 112 páginas

ISBN 978-1-915743-74-9

noviembre 2024

El fotógrafo Sam Wright sintió curiosidad por las comunidades itinerantes tras enterarse de que su bisabuela se había visto obligada a renunciar a su herencia itinerante irlandesa al casarse. A lo largo de dos años viajó a ocho ferias por todo el Reino Unido e Irlanda para crear un retrato contemporáneo de las resistentes y vibrantes comunidades gitanas romaníes y nómadas que encontró.


 Pillar to Post . Sam Wright

Publicado en noviembre de 2024 en el Reino Unido, diciembre de 2024 en EE.UU.
292 x 355 mm
104 páginas, 49 imágenes en color
Tapa dura
ISBN 978-1-915423-52-8