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Denise Scott Brown (1931), una reconocida arquitecta que, desde finales de la década de 1960, ha formado, junto con Robert Venturi, una de las parejas más prolíficas y revolucionarias de la historia de la arquitectura contemporánea, también ha sido fotógrafa y viajera: naturalizada estadounidense, nació en Zambia, creció y estudió en Sudáfrica, continuó sus estudios en Inglaterra e Italia, siguió aprendiendo y enseñando en las costas este y oeste de los Estados Unidos y se estableció en Filadelfia, donde vive actualmente. A ella dedicamos este segundo volumen de la colección "El Álbum del Arquitecto",  cuyo primer número estuvo dedicado a la figura de Sigurd Lewerentz, arquitecto, fotógrafo y viajero.

Aquí presentamos una selección de unas 50 fotografías inéditas que narran el viaje de bodas con su primer marido, Robert Scott Brown, en 1955: cinco semanas de viaje por Iliria, una región balcánica entre Albania y la antigua Yugoslavia, donde una joven arquitecta y fotógrafa nos muestra, a través de su cámara, un país en transición, retratando aspectos de la vida rural y urbana, a través de lugares, personas, animales, paisajes, calles y arquitectura que nos llevan a un viaje único y trascendental, su luna de miel iliria.

 

Durante el desarrollo de la secuencia fotográfica y el diseño gráfico, recibimos una carta de Denise en la que, además de algunos comentarios y recomendaciones sobre el libro, proponía añadir un texto escrito por ella misma que acompañaría las imágenes. Un texto poético, reflexivo y muy personal, aunque también polémico y transgresor, que hemos incorporado en fragmentos distribuidos a lo largo del libro. Un texto que puede leerse de forma independiente o como complemento de las imágenes —que también tienen su propia estructura narrativa visual—, lleno de reflexiones sobre los lugares que visita y de recuerdos con su «primer Bob», fallecido pocos años después, en 1959, en un trágico accidente de coche en Filadelfia, a quien Denise dedica el libro.

El Álbum del Arquitecto 02 . Denise Scott Brown

Primera edición: 800 ejemplares
Fotografías: Denise Scott Brown
Edición: Denise Scott Brown, Josep Maria de Llobet y Alex Llovet
Diseño: underbau
Preimpresión: Josep Maria de Llobet
Impresión: Artefacto
16,5 x 22,5 cm
51 fotografías en color / 144 páginas
Encuadernación en rústica con lomo visto y sobrecubierta forrada en tela sin pegar.
Textos de Denise Scott Brown, Maria Pia y J.M. Torra (en inglés y español).
Fecha de publicación: octubre de 2025.

Ukitu, publicado con motivo de una doble exposición en Kutxa Fundazioa y Tabakalera, reúne una selección de la obra más reciente de Maider López (San Sebastián, 1975), una de las artistas más sólidas y reconocidas del panorama vasco contemporáneo.

Los proyectos de Maider López se nutren de lo pequeño, de gestos y situaciones cotidianas que, al ser amplificados, tienen la capacidad de alterar lo que parecía dado, abriendo la posibilidad de nuevas relaciones con los demás y con el entorno. Esa atención a lo menor implica también una reflexión sobre el tiempo: muchas de sus propuestas nos invitan a detenernos, a tomar conciencia, a vivir las experiencias y generar un recuerdo que queda en la memoria individual y en la colectiva, más allá del instante de la acción.

En un momento en que lo común debería considerarse una necesidad, adquiere especial relevancia el carácter social de su trabajo, que activa dinámicas participativas desde las que pensar y habitar lo colectivo a través de la práctica artística.

El título, Ukitu [Tocar], alude a la capacidad de trastocar y transformar los contextos en los que la artista interviene, así como a la centralidad del sentido del tacto en algunos de sus proyectos recientes. Evoca también la dimensión afectiva del arte: cómo tocamos y nos dejamos tocar.

El libro incluye el texto «Tocar y trastocar», del comisario de la muestra Aimar Arriola, y una conversación de la artista con Hans Ulrich Obrist, en la que profundizan en cuestiones como la creación de colectividades temporales, el espacio público y la capacidad del arte para generar sistemas de relación y transformación.

La artista Maider López (San Sebastián, 1975) desarrolla su trabajo interviniendo en el espacio público y la arquitectura. Sus obras requieren a menudo de la participación del espectador al que involucra haciéndole parte de un espacio sutilmente alterado. Su obra ha sido ampliamente expuesta nacional e internacionalmente, por ejemplo, en las Bienales de Venecia (2005), de Sharjah (2009) o de Estambul (2013).

Ukitu . Maider López 

ISBN 978-84-09-76411-2
Dalpine, 2025
Texto: Aimar Arriola
Diseño: Joaquín Gáñez
Fotomecánica e impresión: Artes Gráficas Palermo
Cartoné
17x23 cm
335 páginas
288 imágenes
Idioma: Euskera, Castellano e Inglés
Incluye una conversación entre Maider López y Hans Ulrich Obrist

TBW Books se enorgullece de anunciar el lanzamiento de Not a Cookbook, el primer libro del cineasta y artista canadiense Robby Reis.

A primera vista, Not a Cookbook parece ser justo lo que su título indica, pero bajo la superficie se esconde un retrato en capas, al estilo de un collage, de un restaurante y la familia que lo mantiene unido. Centrado en Resto Palme, un restaurante caribeño de Montreal regentado por el matrimonio formado por Lee-Anne Millaire Lafleur y Ralph Alerte, el libro ofrece una exploración profundamente personal y provocadora de la cultura culinaria, donde la comida se convierte en una lente a través de la cual examinar la familia, la amistad, el trabajo y la resistencia.

Reis, amigo de la familia desde hace mucho tiempo, adopta un enfoque narrativo integrado y no lineal. A través de fotografías, textos y contribuciones de clientes y personal, Not a Cookbook captura no solo los retos diarios de llevar un negocio familiar, sino también las historias periféricas: el racismo, el activismo y el trabajo emocional necesario para construir y proteger algo compartido y sagrado.

A pesar de su nombre, Not a Cookbook ofrece algunas recetas familiares muy apreciadas; sin embargo, cuando se trata de algunos ingredientes clave que hacen que una determinada salsa sea tan especial, Alerte se limita a decirnos: «Lo siento, no puedo revelarlo». El resultado es un nuevo modelo de libro de cocina: una guía culinaria radical basada en la comunidad, la resiliencia y el amor. No se centra tanto en lo que hay en el plato, sino en todo lo que hace posible que ese plato exista.


Not a Cookbook . Robby Reis 

Encuadernación en espiral con solapas.
80 páginas.
203,2 x 254 mm.
2025.
ISBN 978-1-942953-77-7.

TBW Books se enorgullece de anunciar la publicación de 44 Irving Street, 1970–1971, de Susan Meiselas, editado en colaboración con Higher Pictures con motivo de la exposición homónima de Meiselas en la galería. 

En 1970, mientras estudiaba en la Escuela de Posgrado en Educación de Harvard, Susan Meiselas vivía en una pensión situada en el número 44 de Irving Street, en Cambridge, Massachusetts. Lo que comenzó como un proyecto para clase se convirtió en un retrato profundamente empático de la vida doméstica de la comunidad. Meiselas fotografió a sus vecinos del edificio —muchos de ellos desconocidos— dentro de sus habitaciones, iniciando un intercambio colaborativo al compartir hojas de contacto e invitarles a escribir respuestas. Estas reflexiones aparecen junto a las fotografías, ofreciendo una visión de cómo se veían a sí mismos los protagonistas. 

Las pensiones como la del número 44 de Irving Street eran espacios de transición, pero Meiselas encontró individualidad y expresión personal en cada habitación. Sus retratos, llenos de detalles personales y textura visual, revelan una rica vida interior que a menudo se esconde en las viviendas compartidas. Las cartas manuscritas actúan como una especie de punctum escrito, un contrapunto a la imagen que traspasa la superficie con honestidad e introspección. 

Esta primera obra ayudó a dar forma al enfoque duradero de Meiselas hacia la fotografía como forma de conexión y diálogo. «No se trataba del formalismo de la fotografía», señala. «Se trataba de la narrativa y la conectividad». 

44 Irving Street, 1970-1971 marca la primera vez que esta serie completa se publica en forma de libro. El libro incluye dos inserciones: una fotografía y una hoja de contacto del proyecto original. 

44 Irving Street, 1970-1971 . Susan Meiselas

Tapa blanda cosida con solapas y dos impresiones cromogénicas insertadas.
66 páginas, 46 láminas.
215,9 x 279,4 mm.
2025.
ISBN 978-1-942953-81-4.

TBW Books se complace en anunciar la publicación de The Marble, del artista David Brandon Geeting.

En The Marble, Geeting lleva la fotografía al límite de lo absurdo y vuelve atrás. Trabajando en la intersección entre el brillo comercial y la fantasía de la moda, la neutralidad de las imágenes de archivo y la extrañeza de la creación de imágenes amateur, Geeting construye un lenguaje visual que es a la vez muy pulido y profundamente desconcertante en su narrativa. El resultado es un libro tan divertido como sincero, una oferta de sinceridad escenificada envuelta en detalles surrealistas.

La carrera de Geeting comenzó en 2012, poco después de graduarse en la Escuela de Artes Visuales en 2011. Mientras trabajaba en una tienda de zumos, fotografiaba en su tiempo libre y publicaba imágenes en Tumblr, donde su enfoque distintivo rápidamente llamó la atención y le llevó a la fotografía comercial y de moda. Su práctica artística continuaría construyéndose a partir de estos mundos y difuminando las líneas entre las distinciones de las imágenes, un enfoque que se traslada a The Marble, donde la tensión entre el caos y el control se plasma de forma lúdica y viva, los objetos cotidianos se convierten en personajes, las emociones se sugieren a través del color y la textura, y la lógica narrativa da paso al ritmo visual.

En su vertiente más íntima, el libro coquetea con el existencialismo; en su vertiente más extrema, puede que sea el primer libro de fotografía que se toma en serio la perspectiva de una hormiga.

El libro se abre con un prólogo de la música y artista Caroline Polachek, cuya obra comparte la fascinación de Geeting por la superficie, la sensación y la distinción cada vez más difusa entre realidad y ficción que define el momento actual. En última instancia, The Marble pregunta a sus espectadores: ¿qué sucede cuando la fotografía se libera de sí misma y de su ego? El resultado es algo extrañamente bello y tierno.



The Marble . David Brandon Geeting


Tapa dura con encolado
180 páginas, 144 láminas en color
215,9 x 279,4 mm
Prólogo de Caroline Polachek
2025
ISBN 978-1-942953-80-7

TBW Books se complace en anunciar la publicación de Posthume, una nueva monografía de Mark Armijo McKnight.

Compuesta por catorce fotografías, cada una reproducida en placas de 8 × 10 pulgadas meticulosamente impresas en tres tonos y pegadas a mano, Posthume es una obra tranquila y contemplativa. De formato extragrande y alcance moderado, el libro es a la vez elegía e invocación: un memento mori que alude a los antiguos maestros, la identidad queer de Armijo McKnight y su herencia mexicoamericana.

En estas imágenes, figuras desnudas atraviesan o yacen en paisajes desolados, con los rostros ocultos por máscaras de calaveras. Tiernas e inquietantes a la vez, las fotografías se resisten a una interpretación fácil: ¿estas figuras están vivas o muertas? ¿En paz o abandonadas? Sus gestos sugieren descanso, ritual, duelo y sensualidad, todo al mismo tiempo. La ambigüedad no es un acertijo que resolver, sino un espacio que el artista mantiene abierto para el recuerdo, el deseo y la transformación.

La obra se inspira en la tradición artística occidental del memento mori, al tiempo que recurre a la iconografía y la lógica espiritual del Día de los Muertos, en el que los muertos nunca desaparecen del todo. Las calaveras, entonces, no son solo símbolos de la muerte, sino máscaras de posibilidad, portales a través de los cuales los vivos y los muertos, el pasado y el presente, lo sagrado y lo erótico, pueden encontrarse.

El libro se presenta en una caja hecha con materiales humildes y utilitarios. Está envuelto en un papel personalizado creado en colaboración con artesanos papeleros de Oaxaca, elaborado con fibras de agave autóctonas e incrustado con pétalos secos de la flor de cempasúchil, utilizada tradicionalmente en los altares del Día de los Muertos. El gesto es táctil y simbólico: un sudario, una ofrenda, un retorno a la Tierra.

Publicado en una edición de gran formato de 750 ejemplares, cada copia de Posthume está firmada por el artista.

Posthume . Mark Armijo McKnight 

Tapa dura con papel hecho a mano, presentado en una caja.
36 páginas, 14 láminas encoladas.
362 x 476,25 mm.
Edición de 750 ejemplares, cada uno firmado y numerado.
2025.
ISBN 978-1-942953-74-6.

TBW Books se enorgullece de presentar Double Player, un libro fotográfico poco convencional de Peter Tomka que exige ser experimentado por dos personas. Esta obra se despliega y se pliega sobre sí misma, como un bucle de Möbius de imágenes, o quizás como un ouroboros: un ciclo infinito de conexiones visuales compartidas en tiempo real entre ambos espectadores.

Inspirado libremente en la estructura de una baraja de cartas, Double Player entrelaza cinco cuerpos de trabajo distintos —Bachelor Suite (2024), Heatwave Suite (2024), Watering Hole (2023), Three Works (2021) y Paternity Test (2021)— mezclados en un todo que revela conexiones y líneas argumentales sorprendentes. El libro comienza de forma llamativa con la palabra GAYLORD, que en otro contexto es el nombre de un legendario complejo de apartamentos de Los Ángeles, pero aquí es una directriz que marca el tono y llama al espectador a involucrarse inmediatamente con las imágenes que siguen.

Las fotografías han sido creadas por el artista de forma performativa o apropiadas del cine, la televisión y la cultura pop, tanto del pasado como del presente. La circulación y la repetición de los motivos invitan a la colaboración y la reflexión, enfatizando el acto de ver compartido como parte del significado de la obra. El libro choca (tanto literal como metafóricamente) en su punto medio, diseñado para ser exactamente igual de principio a fin, sin revelar ningún principio ni final, sino más bien un bucle infinito al que se puede entrar desde cualquier punto.

Double Player se publica con motivo de la inclusión de Peter Tomka en Made in L.A. en el Hammer Museum, y supone la primera monografía del artista.


Double Player . Peter Tomka 

Tapa dura encuadernada
112 páginas, 50 láminas
254 x 330 mm
Edición de 500 ejemplares
2025
ISBN 978-1-942953-82-1

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor DeepL.com

La artista Jackie Mulder, afincada en Ámsterdam, transforma la fotografía en un lugar de resistencia y reparación. Criada en un pequeño pueblo religioso, escapó por primera vez a través de dibujos obsesivos y extensos, una estrategia formativa que aún impulsa su trabajo. Hoy, en su serie en curso Thought Trails, Mulder comienza con sus propias fotografías y luego interviene mediante cortes, capas y reconfiguraciones. La imagen se convierte en un campo material que se desmantela y se reconstruye.

Su proceso abraza la imprevisibilidad: el azar se trata como un coautor en lugar de una amenaza al control. Las obras resultantes ocupan un espacio entre la fotografía, el collage y el dibujo, topografías íntimas donde la memoria y el movimiento dejan huellas visibles. La práctica de Mulder desafía los límites del medio fotográfico y refleja una trayectoria más profunda de autodeterminación. Cada pieza es tanto un experimento como un acto de sanación, que expande la imagen hacia un terreno de libertad.

Texto de Elisa Medde

Jackie Mulder . Thought Trails 

Libro Thought Trails firmado
segunda edición
tapa dura, 24 x 31 cm, a todo color, 108 páginas
diseño Hamid Sallali, texto Elisa Medde, edición Hamid Sallali, Wies den Ouden, Jackie Mulder, imprenta robstolk amsterdam

Durante los últimos siete años, Pia Paulina Guilmoth y Jesse Bull Saffire han estado rebuscando en un radio de sesenta millas alrededor de su hogar: casas abandonadas que se derrumban, cajas de cartón cubiertas de moho, el campamento de caza al final de la carretera, la colección de porno gay desechada por un político, restos de ventas de garaje, una tienda de chatarra junto a la cascada. Fotos familiares, informes municipales, periódicos olvidados... fragmentos de vidas que se desvanecen de la memoria.



El libro recopila estos rescates, reensamblajes y accidentes: material a la vez tierno y grotesco, mundano y misterioso. Entre ellos se encuentran fotografías tomadas por Pia y Jesse con cámaras digitales de 8 MP mientras invadían propiedades privadas y rebuscaban material, junto con imágenes del archivo familiar de Pia. En sus manos, los desechos de la zona rural del centro de Maine se transforman en una crónica desordenada, una historia que nunca pidió ser preservada, pero que de alguna manera sobrevivió, empapada y obstinada.

En definitiva, «Fishworm» trata sobre lesbianas que rebuscan entre la basura.

Pia P. Guilmoth y Jesse B. Saffire. Fishworm.

21,6 x 28 cm.
232 páginas.
Tapa blanda con sobrecubierta tipo póster.

ISBN 978-618-5479-46-6.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor DeepL.com

Segunda edidión RESERVA DE COPIAS

Tapa dura 89€ y tapa blanda 79€ (precio sin confirmar)
Sons of the Living . Bryan Schutmaat

ENVIA UN MAIL A dispara@dispara.org

Sons of the Living es un fotolibro sobre la tierra y la gente a lo largo de las carreteras de los desiertos de Estados Unidos. Fotografiado a lo largo de una década en el árido y arrollador terreno del Oeste americano, este trabajo retrata la capacidad humana de resistencia. Schutmaat ofrece una visión actualizada de la «carretera abierta» que aborda una nueva era de incertidumbre y ansiedad. En un contexto de declive medioambiental, desposesión económica y abandono social, Hijos de los vivos llama la atención sobre los problemas del camino y busca nuestra esperanza para resistirlos.

Sons of the Living . Bryan Schutmaat

30x37,5 Cm. 188 páginas. 90 láminas en tritono sobre papel no estucado. Cubierta de tela y texto estampado. Bordes de página pintados en negro. Diseño de Cody Haltom. Dirección de producción de Thomas Bollier.

Presencio & The Rural Kids es un proyecto documental y fotográfico que Virginia Villacisla ha desarrollado durante más de una década. A través de una serie de imágenes íntimas, vibrantes y cargadas de memoria, la autora retrata a un grupo de jóvenes en el pueblo burgalés de Presencio, de 200 habitantes, lugar vinculado a su historia personal y familiar. Este trabajo ofrece una mirada desde dentro, sin artificios ni condescendencia sobre lo que significar crecer en comunidad en un entrono rural marcado por el éxodo y la transformación.
El título del proyecto alude tanto al topónimo del pueblo como al verbo ‘presenciar’, reflejando el doble significado de documentar y formar parte de lo vivido. Villacisla no es una observadora externa: es parte de esa juventud que habita espacios heredados de sus padres y abuelos. Las imágenes, tomadas entre 2009 y la actualidad, revelan un universo que oscila entre lo salvaje y lo nostálgico: veranos sin ley, amores de verbena, botellones en la tómbola, la espera del futuro entre ruinas familiares y cierta belleza estancada. El proyecto nace en un contexto de creciente interés por la llamada ‘España vaciada’, pero se distancia del enfoque desolador para construir, en cambio, un homenaje lleno de vida a los vínculos rurales y generacionales, con un enfoque profundamente humano, emocional y comprometido.
Ahora, Villacisla le da una nueva vida a su proyecto con la publicación del fotolibro en el que conviven la palabra y la imagen, dando lugar a una obra que conserva y proyecta la memoria de una generación. Tras recorrer distintas salas de exposiciones en España, Villacisla buscaba un recipiente físico, íntimo y duradero en el que convergieran la palabra escrita con textos de anécdotas de su familia y las imágenes de sus contemporáneos.

Presencio & The Rural Kids fue seleccionado por Jesús Micó para formar parte de la colección Cuadernos de la Kursala siendo éste el cuaderno nº107. Del proceso de edición y diseño del fotolibro se ha encargado Jaime 

Presencio & The Rural Kids . Virginia Villacisla

Formato / Format: 23,5 × 26,5 cm
Páginas / Pages: 96
Encuadernación / Binding: Tapa dura / Hardcover
Forro / Cover material: Materica Verdigris, 120 g/m
Acabados / Finishes:
Stamping en cubierta + huella en seco con cromo / Foil stamping on cover + blind embossing with attached chrome detail
Papel interior / Interior paper: Gardapremium natural, 150 g/m2
Papel guardas / Endpaper paper: Materica verdigris, 120 g/m2
Diseño / Design: Jaime Narváez
Preimpresión / Prepress: La Troupe
Impresión / Printing: Artefacto

Sound the Sirens abarca los efectos a largo plazo que los desastres climáticos tienen en las comunidades de todo Estados Unidos, con decenas de miles de personas que se quedan sin hogar y desplazadas mientras intentan reconstruir sus vidas. A pesar de décadas de advertencias por parte de los científicos climáticos sobre el impacto del aumento de las temperaturas en la estabilidad de nuestro planeta, los datos climáticos ahora se ignoran ampliamente en aras del capital y la conveniencia, mientras se pone en riesgo la vida de cientos de millones de personas.

Plegadas entre las páginas del libro, las imágenes subyacentes de erupciones solares con tonos anaranjados se filtran desde el interior. Esta experiencia de diseño es un recordatorio de las fuerzas que impulsan los desastres climáticos, con imágenes de devastación teñidas por el resplandor de un calor cada vez mayor.

Sound the Sirens . Bryan Anselm

PRIMERA EDICIÓN Tapa dura 172 x 224 mm vertical
160 páginas visibles (320 en total)
188 fotografías, ilustraciones e imágenes de archivo
Páginas encuadernadas con pliegue japonés (también conocido como francés); cubiertas envueltas en papel serigrafiado; insertos sueltos.
ISBN: 9781738130030