En Dolor exquisito (ed. Comisura, marzo 2026) Sophie Calle combina ...

Formé parte de un grupo de amigos —inicialmente éramos once; después ...

Grandeza y debilidad de lo espontáneo de Bandia Ribeira, es el ...

Tinojay de Albert Corbí, es el proyecto ganador del Premio Mallorca ...

El artista francés Jean-Vincent Simonet trabaja en la vanguardia de ...

Una rana, un mono, un pingüino, un dromedario, un caballo, un ...

Al reunir la sensibilidad de dos artistas extraordinarios, Peter ...

Portraits in Life and Death es el único libro de fotografías que ...

Una obra meditativa, fotografiada en un cautivador parque local en ...

Cuando las tropas lideradas por los soviéticos invadieron ...

La tercera entrega de la serie de Mike Slack se adentra en la ciudad ...

The Centurion toma su nombre de la denominación de la célebre tarjeta ...

Una colección de cintas de casete, descubierta en una tienda de ...

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Para su nuevo libro, Tavakolian ha explorado sus archivos, no para ...

Una noche, mientras observaba desde un segundo plano el espectáculo ...

Hace veinticinco años, la fotógrafa Viviane Sassen y la artista ...

Anne-Marie, de Jeremiah Dine, es un documento visual de la relación ...

En Dolor exquisito (ed. Comisura, marzo 2026) Sophie Calle combina texto, foto y archivo personal para construir un libro que disecciona el duelo amoroso con una precisión casi clínica. En el relato la repetición es fundamental: durante noventa y nueve días, la artista reescribe su historia, la somete a cambios y la confronta con los relatos del dolor de otras personas. 288 páginas a color divididas en dos partes: Antes del dolor y Después del dolor.

Sophie Calle (París, 1953) es una maestra de la imagen escenificada, del juego que podía aportarnos la literatura y la performance. Desde finales de los años setenta desarrolla proyectos basados en reglas y juegos —como seguir a alguien, invitar a extraños a dormir en su cama, pedir a otras mujeres que interpreten una carta de ruptura, contratar a un detective para que la siga o alimentarse durante días con comidas de un solo color— que luego documenta con fotografías y textos dando lugar a proyectos híbridos. El riesgo forma parte esencial de su proceso.

Es la primera vez que Dolor exquisito se traduce al castellano, y lo hace tras la atenta mirada de Blanca Gago. Esta edición nace de la convicción de que la obra de Sophie Calle merece una mayor presencia en el ámbito de habla hispana y una circulación más amplia, capaz de llegar a nuevos contextos y lectores, por varios motivos: convierte el dolor propio en colectivo; utiliza el tiempo como aliado narrativo para retratar los vaivenes de la memoria y los signos del dolor que permanece y al mismo tiempo se desvanece; hibrida palabra, fotografía y archivo; y establece un juego constante entre los límites de la realidad y la ficción.

Dolor exquisito . Sophie Calle

288 páginas a color
12,7 x 21,8 cm
Encuadernación rústica cosida con hilo con solapas
Stamping rojo en cubierta y contracubierta con cantos pintados de rojo

Formé parte de un grupo de amigos —inicialmente éramos once; después llegamos a ser catorce y, a veces, no éramos más que cinco— que, tres meses después de terminar los estudios de Bellas Artes en Madrid, nos mudamos a Os Blancos (Ourense) sin saber muy bien a qué. Nuestra única guía en un municipio profundo y apartado era un compañero de carrera, natural de Xinzo de Limia, que nos habló de un edificio abandonado que «quizá» nos podían prestar. Y nos lo prestaron. Allí nos fuimos: una mezcla de jóvenes de Burgos, Madrid, Valladolid y Galicia dispuestos a vivir juntos, construir una comunidad y desarrollar una propuesta artística. Así nacía Espacio Matrioska. Uno de ellos —quien escribe estas líneas— también se llevó su cámara y empezó a disparar carretes desde el primer día. Pasé allí algo más de cuatro años, hasta que la convivencia terminó mal y regresé a Madrid.

Os días que foron. 2014–2018 es un registro visual, un diario íntimo de aquellos años en un lugar que costó sentir como hogar, pero que acabó siéndolo y que dejó una profunda nostalgia en un madrileño de orígenes andaluces. Este trabajo quiere poner en valor a las personas y los momentos vividos a los pies de la Raíña Loba y a las puertas del Xurés, en una Limia fría en invierno y abrasada en verano. Una propuesta de reconciliación.

Os días que foron. 2014—2018 . Jesús García

El V Premio Editorial de Fotografía Documental Gallega cuenta con el apoyo y la financiación íntegra de The MOP Foundation.

Publicado:     31/11/2026
Tirada:     300
Fotografías: Jesús García
Edición: Cibrán Rico López Jesús Vázquez Gómez
Diseño: desescribir
Páginas: 80
Tamaño:245 x 330 mm
Idioma: Galego / Inglés
Impresión: Ófset (CMYK e Tritono) 
Encuadernación: Grampado a cabalete
Papel:     Arena Natural Rough 140 g/m2
Impresión: Agencia Gráfica
Encuadernación: Legatoria
ISBN: 979-13-990100-9-1

Grandeza y debilidad de lo espontáneo de Bandia Ribeira, es el proyecto ganador del Premio de Fotografía Contemporánea 2025, otorgado por el Departamento de Cultura y Patrimonio del Consell de Mallorca. Este fotolibro es un trabajo desarrollado a largo plazo, con una profunda inmersión en el tema tratado: la población migrante trabajadora y residente en Almería, vinculada a la agricultura intensiva.

A través de esta serie, se visibiliza con proximidad y respeto a una comunidad, sus usos y costumbres, que, aunque es fundamental para el desarrollo de la zona, permanece invisible a los ojos de nuestra sociedad. Para ello, se recurre a un lenguaje directo, innovador y sorprendente, alejado de los clichés. A todo esto, se suma la pertinencia del tema en el contexto actual.


Grandeza y debilidad del espontáneo. Bandia Riberia

Premio Mallorca de Fotografía contemporánea 2025

Lengua de publicación: catalán, castellano e inglés
Primera edición: 2026
Medidas: 30 x 21 cm
Encuadernación: Tapa dura
Páginas: 152
PVP: 45 euros
Colección: Arts, 6
ISBN: 979-13-990720-5-1

Tinojay de Albert Corbí, es el proyecto ganador del Premio Mallorca de Fotografía Contemporánea 2024, otorgado por el Departamento de Cultura y Patrimonio del Consell de Mallorca. Albert Corbí realiza una búsqueda y conceptualización de la cuestión colonial en las islas Canarias, con una remarcable calidad fotográfica.

Tinojay . Albert Corbí

Premio Mallorca de Fotografía Contemporánea 2024

Lengua de publicación: catalán
Primera edición: 2026
Medidas: 17 x 23,5 cm
Encuadernación: Tapa dura
Páginas: 332
PVP: 40 euros
Colección: Arts, 5
ISBN: 979-13-990720-4-4

El artista francés Jean-Vincent Simonet trabaja en la vanguardia de la fotografía, la pintura y las técnicas mixtas, mediante una práctica casi alquímica que consiste en reelaborar, sobreimprimir y generar desplazamientos dentro de los procesos de impresión. Los métodos singulares de Simonet se perfeccionaron durante la última década en la imprenta familiar, situada en Bourgoin-Jallieu; una empresa de cuarta generación de la que él representa el último eslabón. Cyan Years evoca el recuerdo de su padre regresando a casa desde la fábrica con la piel teñida de azul por la tinta cian. Ante el inminente cambio de propiedad de la fábrica, Simonet llevó a cabo un inventario exhaustivo de sus entrañas, utilizando el propio lugar como objeto de estudio durante los intervalos entre los turnos de producción, así como en tardes, fines de semana y días festivos.

Cyan Years se caracteriza por una secuencia que fluye y se solidifica como tinta fresca, combinando intervenciones en la maquinaria, pruebas y obras terminadas; imágenes instantáneas que remiten a la trayectoria más amplia de Simonet, al archivo familiar y de la fábrica, entre otros elementos. El eje central que articula estos diversos registros es la serie *Heirloom*, la cual transforma la amalgama de materiales, objetos e información que circulan constantemente por una imprenta en obras de arte originales que conservan las huellas de su procedencia.

A medio camino entre el índice, el archivo y el libro de artista, *Cyan Years* mantiene la tensión entre las distorsiones —a veces tan radicales que borran por completo cualquier rastro de lo fotográfico— propias de Simonet, y la precisión técnica y el saber hacer que sus obras, a la vez, interrumpen y ponen en valor. Estos gestos rinden homenaje a la maestría y al trabajo de quienes producen, con discreción, los materiales impresos de nuestra vida cotidiana: etiquetas para quesos, folletos municipales, catálogos vacacionales y, también, este mismo libro. Cyan Years, una obra a la vez personal y experimental, marca una etapa específica en la trayectoria de Simonet —aquellos años en los que la fábrica fue tanto herramienta como objeto de estudio— y constituye una despedida de un legado industrial familiar cuyo futuro pende de un hilo, en el marco de un lento declive, sintomático de la situación actual de la impresión offset en toda Europa. Al igual que una banda de Möbius, Cyan Years se presenta como un objeto cuyos extremos se entrelazan: las imágenes de la fábrica son reelaboradas y adaptadas dentro de sus propios muros; posteriormente, las obras resultantes son digitalizadas, sometidas a pruebas de impresión y reproducidas mediante los mismos procesos offset que retratan. El libro, de hecho, ha sido impreso íntegramente en el interior de la fábrica, con intervenciones directas del artista y el editor durante el proceso de impresión.

Jean-Vincent Simonet · Cyan Years

176 págs., 118 láminas en color, 190 × 260 mm
Encuadernación de tapa blanda tipo OTA (cosida por cuadernillos), con uso de diversos tipos de papel

Editado por Sarah Chaplin Espenon y Jean-Vincent Simonet
Diseñado por Jean-Vincent Simonet y Loose Joints Studio
Con textos de James Langdon y Salomé Burstein
Publicado por Loose Joints

LJ228, noviembre de 2026
ISBN 978-1-912719-81-5
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Una rana, un mono, un pingüino, un dromedario, un caballo, un dinosaurio, un oso, una oveja, un pollo, un dinosaurio, un cordero, un camello, una tortuga, una morsa, un león, un perro, una serpiente, un tigre y un poni aparecen representados como estructuras de parque infantil —toboganes, columpios y juegos para trepar— en estas fotografías de Gerry Johansson (nacido en 1945, sueco), tomadas en Ulán Bator, Mongolia, en 2008.

Johansson utilizó algunas de estas imágenes en una ocasión para una publicación de elaboración propia, creada como regalo para un nieto. Él cree que el único ejemplar de dicha publicación ya no existe.

Gerry Johansson . Lekplats

Primera edición de 400 ejemplares.

14 x 20 cm. 24 páginas. 21 imágenes en color. Cubierta de tapa blanda impresa en ófset a color. Encuadernación grapada.
ISBN 978–91–88113–94–8
Publicado en 2026.

Al reunir la sensibilidad de dos artistas extraordinarios, Peter Hujar, curada por Elton John, ofrece una prueba contundente de cómo la mirada de un artista puede arrojar luz sobre la obra de otro. Aunque es conocido mundialmente como uno de los intérpretes más admirados y fascinantes de nuestra época, Elton John es también un experimentado coleccionista de fotografías, con una comprensión aguda y profundamente personal de los logros de Peter Hujar.

A través de una selección de cincuenta fotografías, Peter Hujar, curada por Elton John, presenta un amplio recorrido por la célebre trayectoria de Hujar. En esta nueva monografía, publicada con motivo de una exposición en la Fraenkel Gallery de San Francisco, Elton John escribe: «La humanidad, la profundidad y la sensibilidad sensual de Hujar no son para todo el mundo —ni tienen por qué serlo—, pero, una vez que sus imágenes se te meten en la sangre, es imposible desprenderse de ellas». La publicación incluye obras que abarcan casi dos décadas: retratos del ecléctico círculo de amigos de Hujar, sus emblemáticos desnudos, paisajes cargados de atmósfera, retratos de artistas (Stevie Wonder, Peggy Lee y Edgar Winter) y una conmovedora imagen del propio fotógrafo junto a su madre.

Peter Hujar . Curated by Elton John

Tapa dura
108 páginas, 50 ilustraciones en tritono
Fraenkel Gallery
2022

Portraits in Life and Death es el único libro de fotografías que Peter Hujar publicó en vida. Los veintinueve retratos de figuras creativas —que van desde William Burroughs, Susan Sontag y John Waters hasta Larry Ree, fundador de la compañía de ballet Trocadero Gloxinia, y T.C. (cuya identidad no está clara)— poseen una belleza inquietante y un nivel de análisis psicológico a la vez insólito y fascinante. Tras los retratos, aparecen once imágenes que solo pueden describirse como devastadoras: fotografías de los cuerpos vestidos y parcialmente conservados de sicilianos del siglo XIX, hallados en las áridas catacumbas bajo una iglesia en Palermo.

No existe una conexión necesaria, ni en las fotografías en sí mismas ni entre las dos secciones del libro; sin embargo, la progresión visual de la vida a la muerte constituye un emblema del viaje que todos emprendemos. Los sujetos vivos parecen estar reflexionando sobre esa mortalidad que, en las imágenes de las catacumbas, se perfila con una fuerza profunda. De distintas maneras, ambos grupos de imágenes aluden a los temores y emociones fundamentales que portamos con nosotros, en algún lugar más allá de nuestra conciencia. Tras contemplar este libro extraordinario, resulta casi imposible no establecer tales conexiones e interpretaciones, o no dejarse conmover por la capacidad constante de Hujar para captar lo que parece ser el espíritu interior de sus sujetos.

Aun así, un aire de despreocupación —incluso de alegría— flota sobre las fotografías. Es un libro singular, oblicuo, a veces opaco y, sin duda, profundamente sentido; pero se adhiere a la mente como un abrojo. No pasa desapercibido. Una vez visto, es imposible olvidarlo.

Portraits in Life and Death · Peter Hujar

ISBN 978-1-324-09217-9
Dimensiones / Páginas
10,4 x 11,4 pulgadas / 100 páginas
Editorial
Liveright

Una obra meditativa, fotografiada en un cautivador parque local en los Países Bajos; Strawberry Blue surgió tras la migración del artista desde Grecia hacia el norte, donde, poco después de su llegada, sufrió graves heridas en un accidente de tráfico. Un arduo proceso de recuperación —sumado a la inestabilidad propia de adaptarse a un entorno desconocido— desencadenó una búsqueda interior de pertenencia y una redefinición de su identidad. A lo largo de los años, Tsagkarakis recorrió habitualmente el parque, observando sus matices y su atmósfera onírica, mientras interactuaba con desconocidos y con todo lo que allí habita. En sus retratos, el autor vislumbra reflejos de sí mismo; ecos de sus propias luchas entablan un diálogo con un paisaje complejo y en constante evolución. Strawberry Blue transmite, por momentos, una sensación de desajuste, como reír mientras se llora. Es una obra sobre la resiliencia, la perseverancia y el arraigo en nuevos suelos... Se nos invita a emprender este viaje con la mente abierta a lo desconocido, dejando que el camino nos lleve hacia donde deba llevarnos.

Strawberry Blue . Marinos Tsagkarakis

Primera edición, tapa dura, formato vertical de 215 x 165 mm
126 páginas, con 69 fotografías e ilustraciones
Encuadernación cosida; detalles en lámina (foil) en la cubierta y el lomo
Texto de Marinos Tsagkarakis
ISBN 9781738130047

Cuando las tropas lideradas por los soviéticos invadieron Checoslovaquia en agosto de 1968, poniendo fin a la efímera Primavera de Praga, Josef Koudelka fue uno de los primeros en llegar al lugar. Como aclamado fotógrafo de teatro, Koudelka (nacido en Moravia, República Checa, en 1938) no tenía experiencia en el fotoperiodismo, pero eso cambiaría pronto. En medio del caos de la invasión, tomó una serie de fotografías por iniciativa propia, las cuales fueron sacadas del país de manera clandestina y casi milagrosa. Un año después de que llegaran a Nueva York, la agencia Magnum Photos las distribuyó, atribuyéndolas a un fotógrafo checo desconocido. Su relevancia hizo que el autor —que permanecía en el anonimato— fuera galardonado con el Premio Robert Capa. Pasarían dieciséis años antes de que Koudelka pudiera reconocer su autoría sin correr riesgos.

Esta edición de tapa dura de Invasion Prague 68 contiene 250 imágenes seleccionadas por Koudelka de su propio archivo, complementadas con fragmentos de emisiones de la época y testimonios presenciales. Casi sesenta años más tarde, estas impactantes fotografías vuelven a ver la luz, sirviendo como un recordatorio oportuno de la brutalidad de la represión política y de la importancia de dejar constancia de la injusticia.

Josef Koudelka . Invasion Prague 68

Formato: Tapa dura
Número de páginas: 296
Número de imágenes: 250
Fecha de publicación: 4 de noviembre de 2026
Dimensiones: 9,6 x 12,6 x 1,3 pulgadas
ISBN: 9781597116053

Los editores desean expresar su agradecimiento al Instituto de Historia Contemporánea de la Academia de Ciencias de la República Checa (Praga) y a Magnum Photos (París) por su colaboración en la publicación de este libro.

La tercera entrega de la serie de Mike Slack se adentra en la ciudad más grande de Japón: una vasta megalópolis repleta de rincones inesperados de sensualidad, humor y serenidad. El recorrido de Slack está, objetivamente, vinculado a lugares concretos, pero resulta curiosamente subjetivo; las imágenes resultantes son, a la vez, formales y poéticas. Sus interpretaciones, dotadas de un aire lúdico, ponen de relieve —y al mismo tiempo disuelven— la paleta de excentricidades arquitectónicas, gestos gráficos y ecos culturales de la ciudad. Más que una guía urbana, el libro funciona como un «mapa psíquico» de bolsillo: una invitación abierta a propiciar encuentros sutiles entre la mente, el cuerpo y el espacio urbano. En Tokio, se nos anima a reflexionar sobre ese espacio liminal que oscila entre la contemplación y la despreocupación.

Mike Slack . Walking in Place 3: Tokyo

Editorial: Perimeter Editions
ISBN: 9781922545565
130 págs., ilustraciones en color, 11 x 19 cm, rústica, inglés

The Centurion toma su nombre de la denominación de la célebre tarjeta negra (Black Card) de American Express, la cual surgió como respuesta a los persistentes rumores sobre su existencia que circularon durante la década de 1980. Esta historia contemporánea, en la que un mito urbano se materializa en la realidad, resulta quizá emblemática de una nueva «Edad Dorada»: una era en la que la ilusión se manifiesta como poder a través de la riqueza. Las fotografías de Brian Ulrich examinan la construcción del deseo y el mito, retratando la riqueza como una aspiración, un hechizo y un medio para consolidar el poder. Desde los escaparates —donde los objetos de lujo actúan como precursores de la «cultura de la pantalla»— hasta las perspectivas jerárquicas del paisaje y la arquitectura, pasando por el retrato directo y performativo, The Centurion cuestiona los efectos sociales, económicos y psicológicos de un sistema que equipara el éxito con la plutonomía.
La fotografía posee una capacidad singular para revelar aquello que muchos no logran ver, especialmente dentro de la cultura del privilegio. The Centurion muestra cómo el comercio y el consumo alimentan deseos irracionales, la envidia y la búsqueda de poder, al tiempo que pone al descubierto los mecanismos —a menudo frágiles— que sustentan dicha construcción; algo que se hace evidente, por ejemplo, en la pérdida de valor inherente a una tarjeta de crédito caducada o en el despropósito de una vivienda contemporánea concebida como una arquitectura defensiva.

Brian Ulrich . The Centurion

24 x 29,5 cm | tapa blanda | 164 páginas | inglés | ISBN 978-90-836127-5-1