Esta publicación incluye obras de más de 70 fotógrafos. Cada uno de ...

Graffiti es un movimiento urbano nacido en los años 70 en Nueva York, ...

En su primer gran libro de artista, el artista afincado en Sydney ...

Dominar los elementos es una investigación fotográfica sobre la ...

Una nueva e impactante voz fotográfica se compromete con el retrato ...

En el sureste de Turquía, a pocos kilómetros de la frontera con ...

Este libro es mi historia de amor con un increíble grupo de ...

Languor es una oda al Central Park de Nueva York. Teniendo en cuenta ...

La Fondazione MAST de Bolonia presenta el catálogo de la primera ...

Las Mexicanas es un juego de dobles series y dobles exposiciones; una ...

Todo comienza con una imagen mental: una naranja que sangra. Con la ...

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"Esta nueva edición de MACK es ... una cosa de oscura belleza en sí ...

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"Sub Sole" (del latín: bajo el sol) es un trabajo fotográfico ...

En clave de humor y absurda, sincera y profunda, Photo No-Nos se ...

"Así es como recuerdo la ciudad de Nueva York en 2002. Tenía 19 años ...

Graffiti es un movimiento urbano nacido en los años 70 en Nueva York, en los Estados Unidos. Fueron años en que los jóvenes salían a las calles a escribir sus nombres en la ciudad, cada vez mejor y mejor, con el objetivo de demostrar su existencia en un mundo que lo negaba a través de mecanismos económicos y sociales.

En este contexto, podemos considerar el graffiti como un ejercicio para la exaltación del ego, muy similar al mecanismo que continuamente podemos ver hoy en las redes sociales o dentro de los cánones de la publicidad moderna.

Este trabajo trata de describir el graffiti como una metáfora de la competencia del yo, ya sea individual o colectiva, o haciendo referencia a empresas o personas anónimas, y a la vez lidiar con la perturbación visual y sonora en la ciudad desencadenada por la batalla continua por la autoafirmación de los demás.

En 1930, el fotógrafo Brassaï desarrolló un trabajo con el mismo título, ‘Graffiti’. En esa ocasión, Brassaï hizo una búsqueda de la parte inconsciente de un período histórico específico, haciéndolo emerger a través de lo que vio en las calles y en las paredes. Graffiti parte de esta misma dinámica para agregarle después la parte superficial y estética que se superpone a todo lo que es propio a la esencia de lo humano.

Antonio M. Xoubanova

GRAFFITI . ANTONIO M. XOUBANOVA

Co-published with RVB

304 pages
383 images in color
14,3 cm x 21,5 cm
Offset printing

Total edition of 1500 copies
Collector’s edition of 50 copies

Designed by David Mozzetta
Printed in Venice, Italy

Published in September 2021
ISBN 978-2-492175-04-6

En su primer gran libro de artista, el artista afincado en Sydney Luke Le desvía las nociones de diarismo e improvisación para abordar nuevos terrenos estéticos y filosóficos. Como una especie de carta abierta a una vida anterior en Melbourne, el libro constituye tanto un gesto intensamente personal como una provocación más amplia hacia las subjetividades y suposiciones que sustentan la propia fotografía. Estas imágenes crudas e intuitivas creadas a partir de escaneos de impresiones Risograph degradadas están a la vez arraigadas en el lugar y libres de él. Su mirada dinámica se desvía hacia la especificidad, pero nunca llega a aterrizar. En medio del ruido de su grano fino y arenoso, las imágenes de Le dejan tantas preguntas como respuestas.


 Luke Le . What Are You Looking For?

Shortlist Paris Photo–Aperture Foundation PhotoBook Awards 2021

Editorial Perimeter Editions

ISBN 9781922545015

170 p, fotos en color y en blanco y negro, 17 x 26 cm, pb, inglés

Esta publicación incluye obras de más de 70 fotógrafos. Cada uno de ellos presentó una fotografía que no encajaba en ninguno de sus proyectos, pero que, no obstante, les resultaba convincente. Utilizando el texto de 1978 Breves notas sobre el arte y la manera de ordenar los libros de George Perec, Hans Gremmen aceptó el reto de secuenciar estas 70 imágenes dispares, dando como resultado un objeto verdaderamente único. Las imágenes incluidas en OUTS crean nuevos emparejamientos de relaciones que se imprimen con tinta dorada sobre papel negro, una oda en honor a estos valores atípicos.

Outs

17 x 24 centímetros / 140 páginas / color y oro sobre negro / tapa blanda / editado por Kelli Connell / texto y diseño: Hans Gremmen / diseño: Hans Gremmen / isbn 9789083165806

Artistas incluidos:
Ron Jude, Melanie Schiff, Cecil McDonald, Jr, Carolyn Drake, Delaney Allen, Pixy Liao, Daniel W. Coburn, Geert Goiris, Jo Ann Callis, John Divola, Joshua Lutz, Christian Patterson, KayLynn Deveney, Joshua Dudley Greer, Lise Sarfati, Alec Soth, Eirik Johnson, Andrea Modica, Justin James Reed, Lisa Kereszi, Bryan Schutmaat, Barbara Diener, Carlos Javier Ortiz, Amy Stein, Kenneth Josephson, Irina Rozovsky, Tina Barney, Terry Evans, Alex Webb, Bob Thall, Rebecca Norris Webb, David Taylor, Mark Klett, Tim Davis, Mike Slack, David Hilliard, Melissa Ann Pinney, Yann Gross, Shane Lavalette, Elinor Carucci, Doug DuBois, Jim Goldberg, Tod Papageorge, Susan Meiselas, Mark Steinmetz, Alex Prager, Fred Huening, Jay Wolke, Laurie Simmons, Paul Shambroom, Brian Ulrich, Erik Kessels, Richard Renaldi, Birthe Piontek, David Rothenberg, Natalie Krick, Shawn Bush, Colleen Plumb, Pieter Hugo, David Johnson, Jason Vaughn, Kristine Potter, Jon Horvath, Katharina Bosse, Joy Drury Cox, Amy Elkins, Andrés González, Guillaume Simoneau, Mimi Plumb y Ed Panar.

Dominar los elementos es una investigación fotográfica sobre la exploración y conquista científica de la naturaleza desde los inicios de la alquimia hasta la actualidad. Como muestra la historia, los descubrimientos científicos suelen tener profundas implicaciones para la sociedad y la vida de los individuos. Por otra parte, la investigación subyacente no es en sí misma imparcial, sino que está sujeta a su respectivo entorno social e histórico, así como a diversos intereses comerciales y políticos. Por consiguiente, las cuestiones éticas no sólo en torno a la dirección y los objetivos de la investigación actual, sino también sobre los límites de la utilización de los resultados científicos, deben formar parte de un discurso social más amplio.

En su obra, Jana Hartmann aborda diversos temas que han cautivado la curiosidad de los investigadores a lo largo de la historia y en los que las fronteras de la comprensión científica siguen ampliándose. Ejemplos de ello son el concepto de materia que hoy avanza la física cuántica o la búsqueda de la prolongación de la vida humana, reimpulsada por los descubrimientos en los campos de la biogerontología y el transhumanismo.

La artista tomó sus fotografías enmarcadas selectivamente de experimentos científicos, exposiciones de historia natural, modelos de estudio y la propia naturaleza. Al yuxtaponerlas con extractos de escritos alquímicos, documentos científicos y puntos de vista éticos, inicia un intrigante diálogo interdisciplinar entre múltiples perspectivas narrativas: la artística visual, la alquímica alegórica, la filosófica y la científica.

Sobre Jana Hartmann
Jana Hartmann vive y trabaja en Fráncfort del Meno (Alemania). Se formó en artes visuales como estudiante visitante del programa de Master of Arts en la Cranbrook Art Academy de Bloomfield (EEUU). En 2017 recibió una beca del Istituto Europeo di Design en Madrid (ES). El trabajo de Hartmann se inspira en cuestiones científicas y filosóficas contemporáneas, y se centra en la exploración de la relación entre el ser humano y la naturaleza mediante el estudio de publicaciones de investigación y la colaboración con científicos. Desde 2012, la obra de Hartmann se ha expuesto en numerosas muestras de arte internacionales. Mastering the Elements es el primer libro fotográfico publicado por Hartmann.

Mastering the Elements . Jana Hartmann

Shortlist Paris Photo–Aperture Foundation PhotoBook Awards 2021

230 × 312 mm | 240 p
ES | Tapa dura

ISBN: 978-94-92051-65-3

concepto y fotografía Jana Hartmann
edición Jana Hartmann
Nicolas Polli edición y traducciones
Jana Hartmann Joachim Sell
diseño Nicolas Polli
litografía Murat Cetin Nicolas Polli producción
MAS Matbaa (TR)
con el apoyo de
Fundación Alfred Ehrhardt Berlín
Hessische Kulturstiftung Wiesbaden
Kulturamt Frankfurt am Main

La obra de Batia Suter sitúa intuitivamente las imágenes encontradas en nuevos contextos para provocar reacciones sorprendentes y posibilidades significativas. Este volumen es continuación de la primera Enciclopedia Paralela, publicada en 2007. Los temas subyacentes de la práctica de Suter son la "iconificación" y la "inmunogenicidad" de las imágenes antiguas, y las circunstancias en las que se cargan de nuevos valores asociativos. "En mi trabajo, colecciono grupos de imágenes basadas en varios temas y características, e investigo cómo pueden manipularse entre sí, dependiendo de dónde y cómo están colocadas. En el proceso de hacer este libro, las líneas narrativas se desdoblaron ante mis ojos mientras movía las imágenes alrededor." Diseño: Roger Willems.

Enciclopedia Paralela #1 . Batia Suter

592 pág. 15,5 x 20 cm 2021 segunda edición

ISBN 9789491843761

Una nueva e impactante voz fotográfica se compromete con el retrato callejero para crear espacios psicológicos oscuros e interiores que exploran la relación entre la vida pública y la privada.

La primera monografía de la artista británica Jet Swan recoge los últimos tres años de compromiso de la artista con los miembros del público a través de espacios de estudio improvisados, como un escaparate vacío dentro de un centro comercial en Scarborough, al noreste de Inglaterra, y un salón comunitario reutilizado en Ramsgate, Kent, donde la artista vive y trabaja.

Swan equilibra las identidades públicas alimentadas y mantenidas por quienes pasan por su estudio con espacios fotográficos más oscuros e íntimos, contrastando imágenes privadas y táctiles del cuerpo con fotografías que bordean los márgenes del retrato convencional escenificado. Con un nuevo texto de respuesta de la aclamada poeta Rachael Allen.


Jet Swan - Material

Signed

160 páginas, 190 × 242 mm, 100 fotos
Tapa dura serigrafiada y encuadernada
Poesía de Rachael Allen
Septiembre de 2021 - Los pedidos en EE.UU. se envían a finales de octubre

Jet Swan (nacida en 1990) creció en el norte de Yorkshire. Su obra se mueve entre los parámetros del documental y el retrato clásico. Vive y trabaja en Ramsgate, Kent.

En el sureste de Turquía, a pocos kilómetros de la frontera con Siria, se encuentra Sirkhane: un cuarto oscuro móvil que viaja de pueblo en pueblo enseñando a los niños a disparar, revelar e imprimir sus propias fotografías. Dirigido por Serbest Salih, un joven fotógrafo y refugiado sirio, el cuarto oscuro se basa en la creencia fundamental de que la fotografía es un lenguaje universal y terapéutico, y anima a los niños que viven en la zona -muchos de los cuales son a su vez refugiados de Siria e Irak- a experimentar con el medio como una forma de juego y un medio para entender el mundo que les rodea.

En estas imágenes, producidas por los jóvenes participantes en el proyecto, la ciudad de Mardin y la vasta llanura mesopotámica que la rodea se convierten en el telón de fondo de los sueños, juegos y descubrimientos milagrosos que se desarrollan en el espacio del encuadre. En algunos momentos, se insinúa la guerra en las cercanías: un avión de combate entra en el encuadre de un cielo por lo demás despejado; un niño se asoma desde el interior de una caja de ACNUR. Pero en lugar de reiterar escenas de sufrimiento y trauma, estas imágenes describen su entorno de nuevo a través de la inconfundible mirada llena de asombro de un niño: una visión salpicada de sorpresa y juego, en la que amigos y familiares son captados en pleno vuelo, boca abajo, asomados a las ventanas y caprichosamente disfrazados.

Lleno de risas y alegría, i saw the air fly es un testimonio de la infalible resistencia de la imaginación, del poder curativo de la fotografía y de la encantadora perspectiva de la infancia.

Todos los beneficios de esta publicación se destinarán a la organización sin ánimo de lucro Her Yerde Sanat-Sirkhane.

i saw the air fly . Sirkhane DARKROOM

Encuadernado en rústica OTA con solapa
(Textos en inglés, árabe y turco)
14,5 x 21 cm, 160 páginas

ISBN 978-1-913620-37-0
Septiembre 2021

Este libro es mi historia de amor con un increíble grupo de adolescentes en los suburbios de La Habana, que comenzó en 2018. Las imágenes de esas chicas y chicos jóvenes se mezclan con coloridos bodegones del barrio La Víbora que se convirtió en mi nido en la ciudad. Cuba está en crisis total hoy en día, pero la energía de esos jóvenes podría ser las raíces de la felicidad pura y la resiliencia, pase lo que pase en su país moribundo. También es un viaje íntimo con conexiones universales, un espacio para los sueños y la nueva alegría.
CHAMPÚ está impreso en papel de revista brillante, lo que da lugar a una publicación amplia y flexible de 208 páginas que no se limita a documentar una juventud concreta, sino que trata de reflejar una belleza fluida. Un breve relato escrito por Oriss, una de las jóvenes del grupo, forma parte de este libro.

Champú . Vincent Delbrouck

Firmado

tapa blanda
encuadernación perfecta
21 x 29,7 cm (8,27 x 11,69")
208 páginas / 170 ilustraciones
a todo color
Impresión offset en papel brillante de 170 g
Edición de 800 ejemplares (con 25 ejemplares únicos de coleccionista que vienen con una impresión)

Languor es una oda al Central Park de Nueva York. Teniendo en cuenta la pandemia y la historia de Seneca Village, Smallwood creó fotografías de confort y apreciación tentativa como un examen de la naturaleza, el hogar, la tranquilidad y la evasión.

Este conjunto de obras le valió a Smallwood el Premio Aperture Portfolio 2021. Más información sobre Languor en The Guardian.

Languor . Donavon Smallwood

Edición de 1500 ejemplares. 11,5x14 pulgadas. 56 páginas. 35 láminas en tritono sobre papel no estucado. Encuadernación con lomo abierto y cubierta serigrafiada.

PREVENTA - SE ENVÍA A PRINCIPIOS DE NOVIEMBRE.

La Fondazione MAST de Bolonia presenta el catálogo de la primera exposición antológica del artista irlandés Richard Mosse, durante el verano de 2021. Mosse explora las posibilidades de la fotografía documental actual, entre el registro de la realidad y el arte. Más de 100 fotografías de gran formato recogen el gran impacto visual de sus primeros trabajos en Irak, en la frontera entre Estados Unidos y México, en los Balcanes, el proyecto Infra realizado en la República Democrática del Congo, los imponentes Mapas de Calor de los campos de refugiados en la ruta hacia Europa, y finalmente, hasta sus más recientes trabajos realizados en la selva amazónica.

Richard Mosse. Desplazados | Migración Conflicto Cambio climático

J. Kavanagh ; Ivo Quaranta ; E.a.

Editorial Corraini Edizioni

ISBN 9788894369823

202 p, fotos en color y en blanco y negro, 21 x 27 cm, pb, italiano/inglés

Las Mexicanas es un juego de dobles series y dobles exposiciones; una obra cuyo tablero recuerda a un diaporama abigarrado de antaño.

La primera de estas series, que se remonta a principios de 2015, se compone de imágenes que parecen salidas de un armario de coleccionista de fotografías antiguas: escenas perdidas de cuadernos de viaje que pueden haber pasado por demasiadas manos, demasiadas mudanzas; sobreexpuestas, amontonadas, desligadas de cualquier tiempo o espacio concreto. Imágenes de Ciudad de México, tan encantadoras en sus efectos de superficie -veladas, teñidas, perforadas, superpuestas- como aparentemente injustificadas.

Así, más que vistas, estas imágenes son sobre todo modestos ejercicios sobre la obstrucción de la mirada: telas, pliegues de terciopelo, cortinas de rafia y lienzos desplegados que interponen una pantalla tras otra; ramas y árboles que pueden ser más bien telares o encajes; velos que son también cristales, reflejos y texturas.

Tras este desfile de gasas, las imágenes tópicas se suceden ante nuestros ojos al ritmo de un carro de postales que gira en un mercadillo: coches gringos oxidados y fachadas de hotel; puestos de pasteles callejeros y vallas publicitarias con personajes charros; ilustraciones de mujeres refinadas y bailarinas en miniatura de plástico barato; el cuello en V de una camisa de pachuco, lámparas chinas, sombreros de paja de doble ala, la larga pluma de un faisán.

Pero hay algo más. También hay imágenes que parecen llegar tarde a una cita: puertas cerradas de hierro, toldos de lona cruda asegurados por cuerdas que pueden ser parte de un campamento urbano desmantelado, o una unidad policial atravesada, en primer plano, por una figura a caballo que está a punto de desaparecer. Y finalmente -como un intruso en esta serie que viene a anunciar lo siguiente- encontramos el cuerpo sin cabeza de una mujer; sus manos a la altura de las caderas, el pliegue de su falda amarilleado por los químicos del celuloide.

Todo comienza con una imagen mental: una naranja que sangra. Con la estética de la contracultura japonesa y los rituales aztecas del sacrificio humano como forma de poetizar, y donde el canibalismo se presenta como un signo para demostrar el desprecio por la exasperación, Liza Ambrossio mezcla la performance, la intervención espacial, los vídeos, las instalaciones, las prácticas de manipulación psicológica, la ciencia ficción, el eroguru y la brujería.
Liza Ambrossio (1993) es una artista multidisciplinar que vive y trabaja entre España, Francia y México. Su primer libro La rabia de la devoción fue considerado uno de los fotolibros más interesantes del año 2018. Su obra ha sido expuesta internacionalmente, y ha recibido importantes premios y becas, entre ellos el Descubrimientos PHotoEspaña, el Prix de Voies Off en Arles, y el Prix pour la photographie Musée du quai Branly.

Liza Ambrossio . Naranja de sangre

Tapa dura 18,5 x 23 cm 124 páginas 77 ilustraciones en color
ISBN 978-3-96900-037-3 2021
Textos: Liza Ambrossio
Diseño: Liza Ambrossio, Daniel Fernández, Kehrer Design