






Gnomic
Ryan Debolski hizo este trabajo durante un año en Omán como parte de su beca Fulbright en 2014. LIKE explora las relaciones físicas y digitales de los trabajadores migrantes que construyen la infraestructura de Omán, un país que se moderniza rápidamente y que es rico en petróleo y gas natural. Estos hombres, predominantemente de África oriental y del subcontinente indio, se comunican utilizando teléfonos inteligentes de bajo costo y ampliamente disponibles que les ayudan a hacer frente al aislamiento social al que se enfrentan mientras viven en campamentos durante años. Tan pronto como se hacen nuevos amigos, otros desaparecen sin dejar rastro, para no volver a saber de ellos: los trabajadores son deportados por diversas razones o trasladados a diferentes campos de la región.
El libro incluye un ensayo de Jason Koxvold titulado Raw Material: Capital y Explotación en la Frontera Neoliberal, que expone el trabajo en el contexto de la historia de la representación del trabajo en el arte.
LIKE . Ryan Debolski
Foto de Aperture/París: Mención especial del jurado para el primer foto-libro
AUTORES: Ryan Debolski y Jason Koxvold
TÍTULO: COMO
AÑO DE PUBLICACIÓN: 2020
ISBN: 978-1-7338877-2-4
136 Páginas, 96 imágenes
240x320x15mm, 950 gramos
EDICIÓN: 450; Primera edición, primera impresión
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MACK
Desde mediados de los años 90, la fotógrafa norirlandesa Hannah Starkey ha dedicado su trabajo a las mujeres y a las formas en que la fotografía ha dado forma a ideas sobre lo que significa ser mujer. Conocida por sus puestas en escena cinematográficas, Starkey construye retratos de mujeres de diferentes generaciones, a menudo situadas en contextos urbanos cotidianos. Las imágenes de Starkey revelan momentos de reflexión privada, alienación o interacción social que de otro modo podrían pasar desapercibidos: una mujer fascinada por el reflejo de otra mujer, o la mirada atenta de una madre que lleva a su hijo.
Al igual que las pinturas de género modernas, las imágenes de Starkey están impulsadas por narraciones familiares, pero las que juegan con los lenguajes visuales de diversos géneros fotográficos -incluyendo el diarístico, el callejero, el documental, el cinematográfico, el de bellas artes y el de moda- para investigar sutilmente las maneras en que las mujeres están representadas en la cultura popular. Como ha dicho Starkey, "realmente creo que la cultura visual es el último campo de batalla para la igualdad y la libertad de las mujeres". Desde sus primeras fotografías escénicas realizadas en Belfast hasta su reciente documentación de la Marcha de las Mujeres 2017 en Londres, este catálogo razonado traza dos décadas de la influyente creación de imágenes de Starkey, y sirve como una piedra de toque importante para las discusiones sobre la mirada femenina. El libro incluye un ensayo biográfico de la curadora y escritora Charlotte Cotton y una conversación sincera entre la artista y la editora y escritora Liz Jobey.
Hannah Starkey. Fotografías 1997-2017
184 páginas
25,5 cm x 27,5 cm
Encuadernación en lino con tapa dura con imagen inclinada en el reverso
Fecha de publicación: Noviembre 2018
ISBN 978-1-912339-19-8
MACK
The Complete Papers es un volumen extenso que abarca todo el trabajo de Thomas Demand en los últimos 28 años, junto con los textos primarios escritos sobre su práctica. El libro incluye obras tempranas nunca antes vistas desde 1990, junto con reproducciones de referencia de cada una de sus piezas. Una nueva entrevista comisionada con Russell Ferguson, nuevos textos de Jeff Wall y Alexander Kluge, contribuciones de Parveen Adams, Francesco Bonami, Teju Cole, Beatriz Colomina, Jeffrey Eugenides, Julia Franck, Hal Foster, Rachel Kushner, Ben Lerner, Jacques Rancière, Gary Shteyngart, Neville Wakefield, entre otros, concluye con una completa lista de exposiciones y bibliografía.
Este volumen de tapa dura, alojado en un estuche impreso y gofrado, que también incluye una obra Demand impresa en el forro interior, es la principal autoridad en la obra de uno de los artistas más importantes del siglo XXI.
Thomas Demand . The Complete Papers
2ªreimpresión
Tapa dura impresa con placa en relieve con punta, tres papeles diferentes y veinticinco insertos de papel japonés suelto,
todo ello alojado en un estuche estampado en relieve de 4 colores
Editado por Christy Lange
Diseñado por Naomi Mizusaki
560 páginas
740 planchas en color
24 cm x 29 cm
Fecha de publicación: Noviembre 2018
ISBN 978-1-910164-90-
MACK
Ouarzazate es una pequeña ciudad en el desierto marroquí famosa por sus estudios de cine y lugares de filmación, una industria que comenzó con David Lean y Lawrence de Arabia.
Invitado por el American Friends of the Marrakech Museum for Photography and the Visual Arts a proponer un proyecto para su residencia artística allí, Ruwedel fotografió los decorados de la película en 2014 y 2016.
Gran parte de la actividad de filmación en Ouarzazate ha sido para vestuario y epopeyas bíblicas. Cleopatra, El Jardín del Edén, La Momia, La Última Tentación de Cristo; pero también El Cielo Protector y Las Colinas Tienen Ojos. Muchos de los conjuntos parecen haber sido abandonados mientras que otros son constantemente reutilizados.
Un portal egipcio conduce a un pueblo medieval. Una auténtica Kasbah en ruinas es en realidad una réplica en ruinas de una Kasbah "real" en otro lugar. Los pastores conducen sus rebaños a través de máquinas de asedio "antiguas" y columnas romanas. "Me acordé de ciertos pasajes del Día de la Langosta de Nathaniel West."
Lejos de los desiertos americanos donde ha producido gran parte de su obra de los últimos treinta años, Ruwedel continúa en Marruecos su interés a largo plazo por las ruinas contemporáneas y las historias tanto del paisaje como de la fotografía de paisajes. Las fotografías evocan de manera inquietante la fotografía europea del siglo XIX del antiguo Egipto y Oriente Medio.
Mark Ruwedel Ouarzazate
Edición limitada
Firmado por el artista
136 páginas
Fecha de publicación: Octubre de 2018
ISBN 978-1-912339-26-6
Anómalas
Hay ocasiones en las que no tienes tiempo para “ver” las buenas imágenes, tienes que sentirlas. Para cuando una imagen ha sido “vista” conscientemente el cerebro ya ha procesado los elementos que la conforman y a menudo la imagen ya se ha escapado; es demasiado tarde. Por supuesto que estoy hablando de fotografía de reportaje y documental, que es a lo que yo me dedico.”
Es necesario desarrollar los automatismos, o reflejos, que permiten captar las imágenes al vuelo, de la misma manera que somos capaces de recuperar el objeto que se nos escapa de los dedos antes de que llegue al suelo. Estas reacciones, que a través de un aprendizaje intenso hemos convertido en automatismos, son también las que nos llevan a levantar la cámara para hacer una imagen horizontal o una vertical sin haber tenido tiempo para decidir conscientemente cuál es la mejor opción. En lo que este proceso tiene de entrenamiento de automatismos y de vaciado de la intencionalidad se relaciona con el “arquero Zen” del que hablaba Henri Cartier-Bresson.
Los ejercicios ayudan a fijarse realmente en las cosas y a automatizar reacciones. Comencé haciendo las fotografías de este ensayo como un ejercicio conceptual: para ver lo que pasaba cuando fotografiaba “lo que hay detrás” (una variante del tipo de imágenes que han sido tratadas en el BANAL 2, Al escondite). Pronto, sin embargo, me di cuenta de que el beneficio principal que me aportaba era que me ayudaba a fijarme en los paralajes y los puntos de fuga, en este caso los de las estructuras de las rejas. Los paralajes y los puntos de fuga condicionan las perspectivas y es importante el desarrollar los instintos que permiten escoger la idónea para cada situación. Esto es más importante todavía cuando buscas imágenes construidas de forma alternativa a la convencional porque supone dar un paso más, y darlo de forma instintiva y automática. Como suele ocurrir, incluso en los ejercicios formales sobre imagen pura la literatura se abre paso e insiste en cobrar protagonismo. Aunque esto es un ejercicio y no un relato, he utilizado criterios literarios, además de los puramente formales, para poner en página y para titular este ensayo.
Cristóbal Hara.
¿de qué lado estás?/ Los ensayos banales 6
Cristóbal Hara
Diseño: Roberto Turégano y Cristóbal Hara
24×17 cm. 32 pág. Rústica
ISBN: 978-84-09-04940-0
Dewi Lewis
El río Whanganui de Nueva Zelanda es el alma de Māori Las tribus de Whanganui toman su nombre, su espíritu y su fuerza de este gran río, que fluye desde las montañas del centro de la Isla del Norte hasta el Mar de Tasmania.
En Te Ahi Kā: The Fires of Occupation, el fotógrafo Martin Toft explora las profundas relaciones físicas y metafísicas entre el río y el Māori. En 1996 Toft pasó seis meses en los tramos medio y alto del río Whanganui, en un área conocida como el País del Rey. Aquí conoció a Māori que estaban en el proceso de revertir la colonización de su gente y regresar a su tierra ancestral, Mangapapapa, que se encuentra en las escarpadas orillas del río dentro del Parque Nacional Whanganui. Al final de su viaje Toft recibió el nombre de Māori Pouma Pokai-Whenua.
Regresando veinte años después para reavivar el parentesco espiritual que había experimentado, Toft comenzó a trabajar en este libro. Su narrativa se sitúa en el contexto de la actual Escritura de Asentamiento del Río Whanganui, Ruruku Whakatupua y los proyectos liderados por Māori para resolver agravios históricos con el gobierno que se remontan a la década de 1870. En el centro de la misma se encuentra el reclamo de las tribus Whanganui sobre el río, el cual es visto por ellas como un antepasado y como una fuente de sustento tanto material como espiritual.
Nacido en Dinamarca, Martin Toft es un fotógrafo y educador que trabaja en comisiones y proyectos independientes y colaborativos a largo plazo. Combina elementos del documental y las bellas artes para explorar temas sociales, antropológicos y culturales, a menudo sumergiéndose en las comunidades durante largos períodos de tiempo. Su trabajo se sustenta en el discurso archivístico, histórico y conceptual e incorpora la fotografía, el vídeo, el sonido y el texto. Te Ahi Kā - The Fires of Occupation es editado por Rafal Milach y diseñado por la diseñadora de libros Ania Nałęcka-Milach. El libro fue preseleccionado para el prestigioso premio Kassel Dummy Award 2018.
Publicado con el apoyo financiero de Creative New Zealand, Lottery Environment and Heritage Fund y la beca Te Mana o Te Awa administrada por Ngā Tāngata Tiaki o Whanganui.
TE AHI KĀ: LOS FUEGOS DE LA OCUPACIÓN
Martin Toft
Tapa dura encuadernada en tela
200 páginas, 205 x 165mm
89 fotografías en color / b&n
ISBN: 978-1-911306-38-2 (Verde / cubierta hembra)
ISBN: 978-1-911306-39-9 (Naranja / cubierta macho)
Pier von Kleist
1+1=1 es un error matemático pero no necesariamente un error de lógica: si añades una gota de agua a otra gota de agua, ¿cuántas gotas tendrás? En un mundo donde las matemáticas y la economía son ahora más veneradas que la lógica y el razonamiento, esta obra trata de ser una colección de poemas silenciosos sobre el día a día de cualquier persona en cualquier lugar. La poesía como medio de supervivencia, cuando todo lo que uno oye son gritos, ruidos y música que uno no ha elegido. El silencio es una bendición y si añades una fotografía a otra y quizás a otra, ¿cuántas fotografías estás mirando?
Tras el gran éxito de This Business of Living, el 1+1=1 de Blaufuks continúa su exploración sobre la experiencia del tiempo y la memoria.
1+1=1 por DANIEL BLAUFUKS
1+1=1 por Daniel Blaufuks
Ediciones Pierre von Kleist
Tapa dura, 20.5x25cm, 68 páginas, edición de 600 libros
ISBN: 978-989-54245
Phree
Una profunda investigación de alcance global que trata de responder preguntas tan difíciles como: ¿Merecen verdaderamente morir las personas que son condenadas a la pena capital? o ¿Es justo que un Estado tenga la potestad de determinar si un ser humano debe vivir o morir?
¿Quién merece morir?
Sofía Moro
MEDIDAS 280 x 210 mm.
TIPO DE ENCUADERNACIÓN Tapa dura
TIPO DE IMPRESIÓN Offset
NÚMERO DE PÁGINAS 248
AUTOR DE LOS TEXTOS Sofía Moro
DISEÑO David de la Torre
IMPRENTA AG Palermo
ENCUADERNACIÓN Ramos
AÑO 2018
ISBN 978-84-949261-0-5
NÚMERO DE EJEMPLARES 400 (edición en español)
COLECCIÓN global
Loose Joints
Seabird es un libro de momentos observados por el fotógrafo estadounidense Bobby Doherty entre 2014 y 2018. Doherty hace fotografías que van al grano. A primera vista, algunas de las fotografías en Seabirdfeel se sienten gloriosamente simplificadas, los objetos y las situaciones se redujeron a sus elementos constituyentes desnudos; el cristal más claro en el mantel más rojo, el rocío más húmedo en la hoja más suave. Doherty se apresura a abrazar lo significativo y lo sin sentido de la vida cotidiana con la misma medida: paisajes y retratos emotivos y bucólicos se sientan junto a la basura de la ciudad, los animales, la comida y las flores. Lo que sale al final parece un igualitarismo fotográfico, donde lo pequeño y lo grande, lo mundano y lo sublime, se dan la mano a través de las páginas. A pesar de su aclamación como fotógrafo de bodegones, Doherty quiere evitar la categorización o el sobreanálisis de sus imágenes, colocándose en un linaje de aquellos con un fuerte impulso de hacer fotografías, de forma consistente y extensiva, sin preocuparse por la cohesión o la retrospección. Dentro de esta apertura, Seabird se convierte en un tapiz de imágenes identificablemente humano, sugiriendo el cambio de estados de ánimo, o el cambio de emociones. En un abrir y cerrar de ojos, la obra salta de kitsch de tarjetas de felicitación Hallmark a yuxtaposición irónica, de lo estereotipado a lo absurdo.
Ave marina . Bobby Doherty
Publicado por Loose Joints, 224 pgs, 16 × 24 cm, tapa dura, 2018, 978-1-912719-02-0
RRB
Este nuevo libro de RRB Photobooks y la Fundación Martin Parr marcará la importante contribución que Tony Ray-Jones (1941 - 1972) y su legado, han hecho a la fotografía documental británica.
La exposición y el libro se centrarán en las fotografías tomadas entre 1966 y 1969 cuando Ray-Jones, impulsado por la curiosidad, viajó por todo el país para documentar las costumbres sociales inglesas y lo que él veía como una forma de vida en vías de desaparición. Este pequeño pero distintivo cuerpo de fotografías fue parte de un cambio evolutivo en la fotografía británica, que puso la visión artística por encima del éxito comercial. En este corto período de tiempo, Ray-Jones logró establecer un estilo personal individual. Construyó imágenes complejas con un telón de fondo exclusivamente inglés, donde los espacios entre los componentes de la imagen eran tan importantes como el propio tema principal.
"He tratado de mostrar la tristeza y el humor en una suave locura que prevalece en la gente. Las situaciones son a veces ambiguas e irreales, y las yuxtaposiciones de elementos aparentemente no relacionados, y sin embargo la gente es real. Esto, espero, ayuda a crear un sentimiento de fantasía. La fotografía puede ser un espejo y reflejar la vida tal como es, pero también creo que tal vez sea posible caminar, como Alice, a través del espejo, y encontrar otro tipo de mundo con la cámara".
Las habilidades de Ray-Jones fueron recogidas de una generación de fotógrafos callejeros que encontró mientras vivía en Nueva York a mediados de los 60. Estos fotógrafos incluían a Garry Winogrand, Joel Meyerowitz y otros asociados con el círculo del legendario director artístico de Harpers Bazaar, Alexey Brodovitch. Sus fotografías definieron la época ya que usaron la calle como marco. Ray-Jones aplicó esta nueva forma de ver a su Inglaterra natal y fotografió sus observaciones como nunca antes se habían visto.
En 2012, Martin Parr, junto con el curador Greg Hobson, revisó las hojas de contacto de Ray-Jones de este período y encontró imágenes nunca antes vistas. Estos nuevos descubrimientos serán exhibidos y publicados junto con imágenes icónicas de los primeros tiempos, incluyendo impresiones antiguas de la colección de la Fundación Martin Parr.
Tony Ray-Jones (1941 - 1971) nació en Wells, Somerset y estudió diseño gráfico en la London School of Printing. En 1960, con sólo 19 años, Ray-Jones ganó una beca de dos años en Yale, en los Estados Unidos. Tras un encuentro casual con Alexey Brodovitch, asistió a sus clases en el Laboratorio de Diseño de Nueva York junto con otros estudiantes como Robert Frank, Irving Penn y Garry Winogrand. Regresó a Inglaterra en 1966 y mientras se mantenía a sí mismo a través de asignaciones fotográficas, viajó por todo el país en una camioneta VW. Su trabajo fue exhibido en el ICA, Londres, en 1969, junto con el de Dorothy Bohm, Don McCullin y Enzo Ragazzini. En 1971 regresó a los Estados Unidos para ocupar un puesto de profesor en el Instituto de Arte de San Francisco y comenzó a planificar proyectos futuros antes de que le diagnosticaran leucemia en 1972. Regresó al Reino Unido para recibir tratamiento y murió con sólo 31 años. La primera monografía de su obra, A Day Off (1974) se publicó a título póstumo y en 2004 se celebró una retrospectiva de su trabajo en el Museo Nacional de Medios de Comunicación. En 2013, Media Space en el Museo de Ciencias de Londres exhibió su obra junto con la de Martin Parr en la exposición itinerante Only in England.
Tony Ray-Jones
RRB Photobooks / Fundación Martin Parr
16 de octubre de 2019
Tapa dura
Tela roja
30 x 25 cm
128 páginas
Ensayo de Liz Jobey
Introducción de Martin Parr
RRB
Czesław Siegieda, hijo de inmigrantes polacos en Inglaterra en Leicestershire en 1954, mostró interés en la fotografía desde una edad temprana. Desde su adolescencia fotografió la comunidad polaca en la que creció, moviéndose a través de las fiestas y los funerales con una facilidad que sólo está al alcance de un iniciado.
Las imágenes del libro, tomadas entre 1974 y 1981, muestran las incondicionales tradiciones católicas y las costumbres nacionales tan fielmente mantenidas por la comunidad mientras reconstruían sus vidas tras el trauma sufrido durante y después de la Segunda Guerra Mundial. Mientras que muchas de las imágenes de Siegieda muestran un ojo agudo para lo absurdo y todas están marcadas por un visible afecto a sus sujetos, sus fotografías de su familia cercana son notables por su intimidad. Su madre Helena, aunque físicamente robusta, se ve preocupada y vulnerable, agarrando un cubo de peladuras de vegetales o una foto de la Virgen María como una balsa salvavidas mientras su marido (el padrastro de Czesław) se cierne en el fondo, como si estuviera listo para echar una mano si fuera necesario pero sin querer entrometerse.
Durante muchos años el archivo permaneció privado, inicialmente por respeto a la sensibilidad de la generación de sus padres: nerviosos por su posición de "invitados" en una tierra extranjera, estaban decididos a no llamar la atención. Este impulso inicial de discreción pronto dio paso a las exigencias más prosaicas de la vida y el trabajo. Durante décadas, los negativos permanecieron sin atención en un cajón hasta que, en 2018, dos años después de la muerte de su madre, Siegieda decidió que era hora de sacarlos al mundo. El proceso de digitalización del archivo fue de la mano con la creación de un sitio web y la publicación de imágenes en los medios sociales, publicando fotografías en Instagram con la expectativa de que pudieran ser de interés para un pequeño número de seguidores. La respuesta fue tan abrumadora como inesperada; las fotografías atrajeron la atención de muchos fotógrafos notables, entre ellos Martin Parr, que alentó a Siegieda a dar más publicidad a la obra.
El libro contiene más de 80 imágenes de este archivo, con un ensayo de la autora e historiadora Jane Rogoyska, así como un prólogo de Martin Parr. El libro está disponible en una edición de 600, incluyendo 30 copias con una impresión firmada y limitada de pigmentos.
Agradecemos especialmente al Instituto Cultural Polaco en Londres por su apoyo en la producción de este título.
Czesław Siegieda - Polska Britannica
Noviembre, 2019
RRB Photobooks / IC-Visual Lab
Binding Softover
Tamaño 23.4 x 15.6 cm
Páginas 148
Edición 800 ejemplares
Zen Foto Gallery
"The Mechanical Retina on My Fingertips" (La retina mecánica en las yemas de los dedos) es el nombre que Suda le dio a su cámara Minox que lo mantuvo como esclavo de 1991 a 1992. La cámara Minox es conocida popularmente como una cámara espía - cabe en el bolsillo con un disparador tan ligero como el parpadeo de un ojo. Las imágenes resultantes reveladas a partir de negativos de 8x11mm son granuladas y tienen una perspectiva plana. Suda comenta que "ninguna otra cámara ha acompañado mis actividades tan de cerca".
Además de las obras de Minox que Suda publicó en sus exposiciones de los años 90 - "Trance", "Keelung", "Family Diary", "Naked City", "1987 Taipei City View" y "Before Night Falls" -, este libro incluye más de 400 obras seleccionadas de entre más de 600 imágenes inéditas que habían estado almacenadas durante mucho tiempo en "A Box of Lingering", como la llamaba Suda.
"El momento" ha sido finalmente liberado.
La retina mecánica en la punta de mis dedos
Issei SUDA
Editorial: Zen Foto Gallery
Tamaño del libro183 × 128 × 20 mmPáginas 438 páginas, 430 imágenesBindingSoftcoverPublication Date2018LanguageEnglish, Japanese, ChineseLimited Edition700
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
MATCH and Company
El primer libro de fotos del legendario fotógrafo japonés Daido Moriyama, "Japón: A Photo Theater", por fin está disponible de nuevo en una edición renovada.
Publicado originalmente en 1968, año en el que también se lanzó la influyente revista Provoke, el libro ya demuestra el estilo visual de la marca Moriyama. Invitado por el escritor japonés Shuji Terayama, Moriyama comenzó a fotografiar a los miembros de un grupo de teatro itinerante, añadiendo fotos de bailarines de espectáculos enanos, clubes de striptease, artistas callejeros, fetos en contenedores de formaldehído y otros motivos.
Esta versión de 2018 es la primera en ofrecer traducciones al inglés de los escritos de Shuji Terayama. El libro, limitado a una edición de 700 ejemplares, está numerado y firmado por Daido Moriyama.
Japón, Una foto Theater(English Version)
Daido MORIYAMA
Editorial: MATCH and Company Co, Ltd., Getsuyosha
2018 edición reimpresa
Tamaño del libro 308 × 228 mm Páginas 232 Binding Hardcover, slipcase Publication Date2018 LanguageEnglish, Japanese Limited Edition 700
RM
Han pasado 30 años desde que el peor accidente nuclear del mundo ocurrió en la central nuclear de Chernóbil (ChNPP) en la antigua Unión Soviética (actualmente, Ucrania). El fotoperiodista Kazuma Obara exploró Ucrania entre febrero de 2015 y abril de 2016.
El proyecto "30" tiene como objetivo representar a personas en Ucrania que tienen una conexión con la explosión; cuyas vidas fueron alteradas por la liberación repentina de energía atómica y los subsiguientes conflictos políticos. Para representar esto, Obara desafió la representación visual tradicional creando tres tipos diferentes de objetos: dos álbumes de fotos y una réplica de un periódico. El libro de fotos "Exposición" muestra los primeros 30 años de vida de una niña invisible que sufre problemas médicos continuos como consecuencia de la catástrofe. Las imágenes fueron creadas utilizando una antigua película negativa en color ucraniana que fue encontrada en la ciudad abandonada de Pripyat. Otro libro de fotos, "Everlasting" (Eterno), capturó el viaje de los trabajadores del ChNPP entre su ciudad natal y la planta como una metáfora del ciclo de repetición. Los trabajos de descontaminación se han transmitido de generación en generación desde el accidente.
Dada la dificultad de tratar los residuos radiactivos, parece que este proceso podría continuar para siempre. Apoyando estos dos fotolibros, Obara realiza la réplica de un antiguo periódico que fue encontrado en Pripyat desde la época que ayuda a sentir el paso del tiempo.
Autoedición, Edición 86, 2016(agotado)
Editorial RM, Edición 1900,2017/2018
//"Premios, Nominaciones
Premio Mundial de Fotografía de la Prensa 2016, Personas, 1er Premio
Premio Magnum de Fotografía para Graduados, Ganador
WIRED Audi INNOVATION AWARD, Ganador
Los mejores fotolibros de ojo fotográfico de 2017 seleccionados por Todd Hido
Reseña del Portfolio del Festival de Fotografía de Atenas2015, Ganador
Premio Hariban, Finalista
Premio Magnum Lens Culture Award 2016, Finalista
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Museo Foam
Lo que antes se llamaba fotografía de moda se encuentra hoy en día posicionado a lo largo de un espectro mucho más amplio de intenciones y claves visuales. Los fotógrafos están tomando prestado de la estética de la moda, pasando de crear ideales glamorosos a contar historias de inclusión social y política, diversidad, identidad, vida cotidiana y un panorama siempre cambiante de estilos de vida.
En este número de Foam Magazine, presentamos los portafolios de 16 fotógrafos, artistas y colectivos, cada uno de los cuales adopta enfoques distintos y potenciadores de la fotografía de moda contemporánea. También hemos tenido la oportunidad de incluir una serie de entrevistas perspicaces e inspiradoras con gente del campo de la fotografía de moda. Junto a esto, presentamos una larga entrevista entre la curadora Zoé Whitley y la diseñadora de moda Grace Wales Bonner, en la que se habla de moda e identidad. Además, nos complace compartir una entrevista entre Hans Ulrich Obrist, Director Artístico de las Galerías Serpentinas, y Tyler Mitchell. Abordaron el optimismo, las utopías y cómo la fotografía puede ser una forma de lograr lo imposible. A lo largo de todo el evento hay intervenciones de revistas de moda invitadas que comparten sus visiones editoriales.
Foam Magazine #53: Adorned, The Fashionable Issue
EAN 8710966455234-00053
ISSN 1570-4874
288 páginas
Impreso en papel especial seleccionado
300x230x23 mm
1118 g