OKINAWA . Keiko Nomura

Intimate Distance es la primera monografía completa que traza la carrera del aclamado fotógrafo estadounidense Todd Hido. A pesar de que ha publicado muchas monografías más pequeñas de obras individuales, esto recoge por primera vez sus imágenes más icónicas y aporta una perspectiva fresca a su obra con la inclusión de muchas fotografías inéditas.

Conocido por sus fotografías de paisajes y viviendas suburbanas a lo largo y ancho de Estados Unidos, y por su uso de colores luminosos, Hido echa una mirada claramente cinematográfica a todo lo que fotografía, penetrando profundamente en su memoria e imaginación en busca de inspiración. David Campany presenta la obra y analiza específicamente las influencias cinematográficas de Hido y el tipo de espectador que la obra exige. El libro está organizado cronológicamente, mostrando cómo sus series se superponen de nuevas y emocionantes maneras. También hay entrevistas cortas con Hido sobre la realización de cada una de sus monografías. Desde el exterior hasta el interior, desde observaciones de superficie hasta investigaciones subconscientes, desde paisajes hasta desnudos, esta encuesta a mitad de carrera revela una visión de la práctica de Hido e ilustra cómo su enfoque único se ha desarrollado y cambiado con el tiempo.

Todd Hido (nacido en Kent, Ohio, 1968) es un artista del Área de la Bahía de San Francisco. Sus fotografías se encuentran en las colecciones permanentes del Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art y el Los Angeles County Museum of Art, así como en muchas otras colecciones públicas y privadas. Ha publicado más de una docena de libros, incluyendo House Hunting (2001), Roaming (2004) y Extractos de Silver Meadows (2013). Es profesor adjunto en el California College of the Arts. En 2014, Aperture publicó Todd Hido on Landscapes, Interiors, and the Nude como parte de la serie The Photography Workshop.

David Campany (ensayo) es uno de los escritores de fotografía más conocidos y accesibles. Sus libros incluyen The Open Road (Aperture, 2014), Walker Evans: The Magazine Work (2013), Jeff Wall: Picture for Women (2011), Photography and Cinema (2008) y Art and Photography (2003). Sus ensayos han aparecido en numerosos libros, incluyendo el título de 2016 Aperture The Difficulties of Nonsense, sobre el fotógrafo Robert Cumming, y contribuye regularmente a Aperture, Frieze, Photoworks, y Oxford Art Journal.

Katya Tylevich (textos) es periodista de arte, arquitectura y diseño con sede en Los Ángeles.

Intimate Distance . Todd Hido

Veinticinco años de fotografías, un álbum cronológico

Ensayo de David Campany

Textos de Katya Tylevich

9 1/2 x 11 1/2 pulgadas

272 páginas, 300 imágenes en blanco y negro y cuatricromía

Tapa dura con sobrecubierta 

978-1-59711-360-1 Octubre 2016

Durante los atentados terroristas en París en noviembre de 2015, el fotógrafo Paul Graham se refugió en un apartamento de la ciudad con su pareja y su hijo pequeño. En respuesta a la sofocante tensión en las calles de la ciudad, hizo esta serie. Mirando las imágenes nunca se sabría de los eventos traumáticos que se desarrollan en el exterior, pero al sumergir las fotografías es un anhelo inescrutable de lo seguro, de lo cotidiano, de lo conocido.

Paul Graham nació en 1956 en Stafford, Inglaterra. Ha recibido numerosos premios y becas, entre los que se incluyen el Premio de Fotografía Deutsche Börse, una Beca Guggenheim, el Premio Hasselblad y el Premio del Libro de Fotos de la Fundación Paris Photo-Aperture al mejor libro fotográfico de los últimos 15 años. Sus publicaciones incluyen The Whiteness of the Whale (MACK, 2015), Does Yellow Run Forever? (MACK, 2014), The Present (MACK, 2012), 1981 y 2011 (MACK, 2012), un resplandor de posibilidad (MACK, 2007), Films (MACK, 2011), American Night (MACK, 2003) y End of an Age (Scalo, 1999). Ha expuesto en Tate Gallery, MoMA, Whitney Museum of American Art, Deichtorhallen y Fotomuseum Winterthur, entre muchos otros.

Paul Graham 

París 11-15 de noviembre de 2015

Tapa dura flexible

88 páginas

30 planchas en color

18 cm x 26 cm

Fecha de publicación: Noviembre 2016

ISBN 978-1-910164-64-8

"General View" investiga las concepciones de una nueva realidad que continuamente se aleja del referente indexado hacia una representación siempre cambiante de un mundo que todavía se encamina en la imagen fotográfica.

Inspirado en las fotografías del Parque Nacional Yosemite - uno de los sitios naturales más intensamente mediados en la tierra, la serie de juguetes con la pregunta sobre la necesidad de viajar a un lugar que ha sido fotografiado innumerables veces, la necesidad de grabar fotografías adicionales.

Si un sinnúmero de imágenes de un lugar específico son descargables o pueden ser capturadas en pantalla, ¿ya he estado allí?

La serie se concentra en la recreación de fallos en Google Street View; en un gesto similar a los conceptos de Brillo Box de Warhol o Ready-mades invertidos de Fischli & Weiss, los fallos se apropian y recrean a través de procesos pre y post fotográficos - para probar sus cualidades escultóricas, su capacidad para convertirse en una entidad autónoma, potencialmente independiente de sus referentes indexados.

Los fallos involuntarios (así como los desenfoques originalmente previstos para ocultar rostros o placas de automóviles) aparecen como un rastro de la fusión algorítmica y la alteración de imágenes fotográficas sin control humano directo; una visión potencial temprana, un heraldo para una comprensión post-humana del concepto de la imagen o su redundancia y desaparición.

VISIÓN GENERAL - Thomas Albdorf

Mayo de 2017

Edición de 700

21x28 cm

128 Páginas

Tapa dura de sutura

ISBN 978-88-94895-07-0

–

Diseñado por Thomas Albdorf y Milo Montelli

Texto de Darren Campion

Krass Clement tomó estas fotos hace 15 años en Siria, un país que ha sufrido una transformación chocante, ya que todo el país y su pueblo se han convertido en víctimas de la guerra. Imágenes de Damasco, Palmira, Alepo, Homs y Deir Ez-Zur, todas de 2001.

Impasse Hotel Siria . Krass Clement

Editor: Glydendal 2016 

Páginas: 184 Formato: Tapa dura, 

1ª edición

El libro habla de un viaje por Estonia, en el bosque, tras las huellas de los lobos. El silencio y la nieve. La ocasión de la caza: de sentido, de Dios.

Fotos de Alexandre Christiaens

Proyecto de Valentino Barachini

Redacción: Matilde V. Laricchia.

Traducción de Jeanne De Visscher y Massimiliano Barachini.

Idiomas: italiano, inglés y francés.

100 ejemplares numerados y firmados

 Dimensiones libro cerrado: 29x24cm aproximadamente.

50 páginas, 38 fotos en 4 colores y b/n.

Edición de coleccionista añade al libro una fotografía impresa en papel baritado en un cuarto oscuro (sin chorro de tinta) en 30 ejemplares, numerada y firmada por Alexandre Christiaens.

En 2007 Ricardo Cases emprendió un viaje por Malí en compañía de un hombre blanco. En el camino fotografió todo lo que le llamó la atención y retrató a su compañero de viaje, un sevillano cuya actividad principal era pensar y mirar. A su regreso, Cases revisó el material y comenzó a jugar con las imágenes, con el objetivo de conectar ambos grupos de fotografías: las de su compañero de viaje y las del territorio que habían visitado. Sin embargo, se dio cuenta de que las imágenes no eran lo suficientemente autoportantes como para contar la historia que pretendía, y después de algunos intentos fallidos empujó el material a un cajón.

Años más tarde, en 2015, volvió a las imágenes y sintió que empezaba a conectarse con ellas. Algunos de ellos sugirieron ideas: la falta de legitimidad que sintió como fotógrafo al hablar de un lugar que experimentó sólo de pasada; la inocencia en la mirada del turista que acompaña la corriente, estimulada por la serendipia del viaje y por el exotismo de una cultura y realidad ajenas; cómo a veces puede ser apropiado quedarse en la superficie, en el reino de lo imaginado, en el resultado de una experiencia tan específica que casi podría ser un sueño.... 

Fue entonces cuando decidió estructurar la obra en torno a estas nuevas premisas y editar este libro en colaboración con Iván del Rey de la Torre, cuyos textos entran en una danza con las fotografías, en contra de esa melodía. La relación así establecida revela cómo la importancia de una imagen a menudo no radica en su materialidad, sino en el trazado de la misma que llevamos siempre en nuestra mente. Cuando fabricamos nuevas imágenes, no son más que proyecciones de esos trazos.

Esa fue la génesis de El blanco, una historia en la que un examen de la representación occidental de los territorios periféricos nos lleva a cuestionar la propia representación.

EL BLANCO 

Ricardo Cases e Iván del Rey de la Torre

Edición en INGLÉS

Dalpine, 2016

Fotos: Ricardo Cases

Textos: Iván del Rey de la Torre

Traducción: Aitor Arauz Chapman

Diseño: Mónica Martínez, Ricardo Cases, Ángel Álvarez (Tipode Office)

Preimpresión: Víctor Garrido

Tapa blanda

20 x 28 cm

64 páginas

Edición en INGLéS - 200 ejemplares (también disponible en inglés)

La colección definitiva de las icónicas fotografías en color del suroeste americano de Bernard Plossu

Bernard Plossu ha sido llamado "el más americano de los fotógrafos franceses" por su amigo y colega Lewis Baltz. Aunque es más conocido por su trabajo en blanco y negro, a menudo capturando un mundo bohemio de aventuras de espíritu libre, Plossu también ha rodado en color a lo largo de su carrera.

Este libro muestra 88 audaces y cinematográficas fotografías en color, muchas de las cuales son inéditas, que datan de los años setenta y principios de los ochenta, cuando Plossu residía en Estados Unidos. Sorprendentemente representadas con el proceso de impresión en carbono de Fresson, estas imágenes representan un paisaje inconfundiblemente americano de moteles y rodeos, desiertos y carreteras; un reino a la vez escarpado y onírico, perseguido por las imágenes míticas del Viejo Oeste. Se combinan para formar una colección memorable y atmosférica de obras de un fotógrafo de gran talento.

Acompaña una exposición del mismo nombre en el Festival de Fotografía de Arles en el verano de 2016

Bernard Plossu (nacido en 1945) es un reconocido fotógrafo francés que ha trabajado en todo el mundo. Sus numerosas publicaciones incluyen So Long y ¡Vámonos! Bernard Plossu en México

Bernard Ploss. Colores occidentales

Fotografías de Bernard Plossu

Ensayos de Francis Hodgson

ISBN 9780500544679

22.00 x 27.00 cm

Tapa dura con punta en la placa de color a la placa frontal (sin cubierta)

144pp

Con 88 fotografías en color

Primera edición 2016

Las fotografías que Chris Killip hizo en el norte de Inglaterra entre 1973 y 1985 fueron publicadas por primera vez por Secker & Warburg en el libro In Flagrante en 1988. La nueva edición sobredimensionada de Steidl es una presentación radicalmente actualizada, que muestra una sola imagen a la derecha de cada página doble. En Flagrante Dos es estridente en su creencia en la primacía de la fotografía, abrazando ambigüedades y contradicciones en una secuencia narrativa sin adornos y sin texto.

In Flagrante Two . Chris Killip

Steidl

110 páginas

Tritono 

Tapa dura / Encuadernado en tela 

36,4 x 28,8 cm

inglés

ISBN 978-3-86930-960-6 

2. Edición 08/2016

El ganador del Prix Elysée 2016, la nueva obra de Martin Kollar, Provisional Arrangement, considera lo temporal en un mundo compuesto de situaciones y soluciones provisionales. "Somos inquilinos de la cultura", escribió Nicolas Bourriaud, previendo un mundo de precaria habitabilidad de las ideas. "Crecí en Checoslovaquia durante la era comunista", dice Kollar, "y con el lema, con la Unión Soviética para toda la Eternidad - que ha sido una de mis pocas experiencias con la eternidad... La gente de mi generación lucha contra el vacío dejado detrás de los dogmas abandonados". Es en este mundo en el que Kollar se convierte, en una de eternidades abortadas y certezas aflojadas, en situaciones que revelan la desintegración de las permanencias, capturando su caída en lo provisional.

Martin Kollar nació en Zilina, Checoslovaquia (actualmente Eslovaquia). Estudió en la Academia de Artes Escénicas de Bratislava y ha trabajado como fotógrafo y cinematógrafo independiente desde que se graduó. Ha recibido varias becas y premios, incluyendo el Fuji Film Euro Press Photo Award y el Backlight Photography Award en Finlandia. Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo, incluyendo la Maison Européene de la Photographie Paris, Francia, Rencontres d'Arles en Francia, MOCA Shanghai China, Guandong Museum of Art en China y Month of Photography en Cracovia. Sus libros anteriores incluyen, Nothing Special (2008), Cahier (2011) y Field Trip (MACK, 2013).

Martin Kollar 

Disposición provisional

MACK

Tapa dura gofrada con tableros de colores

72 páginas

38 placas en color

20 cm x 25.5 cm

Fecha de publicación: Septiembre 2016

ISBN 9781910164501

Hubo un tiempo a finales de mis 20 años cuando tuve el deseo de desaparecer del plano de los asuntos mundanos. Kumogakure no tiene traducción directa al inglés. Significa estar oculto por las nubes, envuelto, invisible. Ya no podía soportar mi mundo y los asuntos que lo rodeaban, pasé dos años vagando ciegamente a través de Hokkaido y Tohoku envueltos en la niebla.

La misma actividad volcánica que dio origen a Japón es la fuente de sus aguas termales, llamadas onsen en japonés. Los onsen representados en este libro no son más que una minúscula fracción de las 3.000 fuentes termales que se dice que existen en todo el archipiélago.

Por casualidad me fascinaron las nubes de vapor natural que surgen de estos onsen curativos y restauradores. Las fuentes varían en Japón - hay fuentes termales calentadas naturalmente, fuentes minerales, fuentes escondidas, lugares para beber y pequeñas y antiguas ciudades balnearias. No importa cuál sea el tipo, cualquier lugar está bien siempre y cuando tenga aguas termales y nombre. Lo banal y lo extraordinario se encuentran en estos manantiales, así como la vida y la muerte. Curan tanto a los locales como a los viajeros. Estas aguas termales están llenas de nostalgia y ofrecen el placer de experiencias visuales únicas. Estos son los lugares por los que paseé, tomando fotografías.

Mientras viajaba por estos lugares, soñaba con un yo trascendental más allá de mi propia identidad. Inundado de recuerdos de experiencias que nunca había tenido, rodeado de todas las emociones, sentí un tremendo anhelo de mí mismo desde tiempos desconocidos, sin género ni edad, criado y nutrido en y entre estos desconocidos asentamientos montañosos y pueblos costeros.

Las fotos de este libro se completaron en 2003. Más de una década después, sin lugar a dudas, reflejan lo que vi en mis viajes. Sin embargo, con el paso del tiempo, poco a poco han empezado a sentirme como si hubieran sido tomadas por otra persona, de un mundo diferente.

Al ordenar estas fotos para hacer este libro, me di cuenta de que en lo más profundo de mí hay un oscuro punto de inflamación que no tiene adónde ir. Probablemente volveré a mis viajes solitarios entre las aguas termales. Espero que tal vez este libro se convierta en algo tan efímero como el humo, que parece desaparecer con la publicación, sólo para ser encontrado de nuevo dentro de unas décadas a través del azar y la alegría de un lector.

Edición limitada de 700 ejemplares.

Masakazu Murakami

KUMOGAKURE ONSEN : Viajes Reclusivos

edición imitada de 700 ejemplares

104 páginas, 91 planchas en blanco y negro

impresión sobre tela ; tapa dura

texto; japonés e inglés

diseño de libros ; Katsuya Kato

tamaño ; 225mm x 270mm x 15mm

roshin libros 2015

ISBN 978-4-9907230-2-6

Max Pinckers y Daisuke Yokota están interesados en las superficies de la fotografía y en las limitaciones de la imagen bidimensional para dar forma a nuestra comprensión del mundo; crear una imagen bidimensional y obtener una comprensión bidimensional.

Su trabajo trata sobre la superficie y la adición de dimensiones de diferentes maneras, pero donde Pinckers cuestiona los marcos pasados de la fotografía y mira los tropos históricos de la fotografía y cómo están incrustados en nuestra lectura de imágenes a un nivel subconsciente, Yokota construye significados desde el presente, superponiendo el pasado a sus imágenes a través de sus repetidas exposiciones e intervenciones con la impresión primaria.

La serie Dos tipos de memoria y la memoria misma cuestiona la forma en que damos por sentada la fotografía, la forma en que aprendemos a esperar ciertas cosas y a excluir otras, especialmente en un país que se define en el extranjero por el cliché fotográfico.

Está detrás de las expectativas que tenemos de Japón basadas en los clichés que hemos aprendido a esperar. Luigi Ghirri escribió: "La fotografía siempre muestra lo que creemos que ya sabemos" y ese es el sentimiento en el que se basa este proyecto.

Para esta serie, Pinckers llevó a grupos de japoneses vestidos de asalariados, cosplayers o luchadores de sumo a los límites del Japón urbano. Vestido con trajes, lomos y trajes de oso, los llevó a esos lugares japoneses que no vemos en Europa; las orillas de los arroyos, los aparcamientos desiertos, las profundidades del bosque.

Y una vez allí, escenificó imágenes de cosas que sus intérpretes, según la representación tradicional de Japón en Occidente, esperaban hacer. Se desmayaron borrachos (al estilo de un verdadero asalariado), durmieron la siesta, fumaron cigarrillos, fueron sometidos a repentinas ráfagas de viento o cantaron karaoke.

Es una enciclopedia de los tropos de la fotografía japonesa entonces, y hay muy poco misterio allí.

Esa falta de misterio es lo que desempaca Pinckers. Él varía el paisaje, los jugadores y el vestido, y permite que se desplieguen los momentos que fotografía. Pero simplemente porque estas combinaciones de paisajes, jugadores y momentos son diferentes, vemos algo nuevo. Vemos un Japón que no parece tan

NOTA CURATIVA: A ambos artistas se les dio la misma cantidad y tipo de papel, pero sus fotografías fueron impresas en direcciones opuestas de fibra. El trabajo de Max Pinckers fue presentado verticalmente, mientras que el de Daisuke Yokota lo fue horizontalmente, ambos usando la misma cantidad de madera contrachapada. No se utilizaron clavos ni adhesivos en la exposición.

Edición de 1000 ejemplares, con el texto adjunto de Colin Pantall.

Publicación inusual entrelazada de estos dos aclamados artistas.

Foto Foro . Max Pinckers Daisuke Yokota

Editor: Rorhof/Lyre 2016 

Encuadernación: Tapa flexible 1ª edición

Rorhof/Lyre 

Después de la repentina muerte de Hiroyasu Nakai en febrero de 2016, Daido Moriyama, amigo de Nakai desde hace más de 40 años, seleccionó cuidadosamente fotografías de aproximadamente 500 grabados originales de Nakai. "North Point" es el resultado de esta edición.

Hiroyasu Nakai nació en la ciudad de Hachinohe, Aomori en 1955. Participó en la escuela de fotografía WORKSHOP de Eikoh Hosoe en 1976. Al graduarse, comenzó un nuevo capítulo en su vida como fotógrafo y se convirtió en miembro de CAMP, un grupo y galería de fotos dirigido por artistas y dirigido por Moriyama. Después de dejar CAMP, estableció independientemente una galería de fotos Hokuten (North Point) en su ciudad natal en 1988, y comenzó a exponer su propio trabajo en una serie de exposiciones. "North Point" muestra fotos tomadas en la ciudad de Hachinoche durante el tiempo que Nakai estuvo allí.

En cuanto a las fotos de Nakai, Moriyama ha dicho que no son "ni reportajes honestos ni su amor por su ciudad natal". El fotógrafo Hiroyasu Nakai se integró en su entorno con una profunda comprensión". 

Las perspectivas de Nakai sobre la ciudad de Hachinohe se expresan en la publicación de "North Point", publicada por los libros de Roshin con la ayuda de Satoshi Machiguchi, un director de arte japonés. "North Point" seguramente será considerado como una contribución históricamente importante al mundo de la fotografía.

Edición limitada de 700 ejemplares.

Punta Norte . Hiroyasu Nakai

Roshin Libros 2016 

Páginas: 96 

Formato: Tapa dura 1ª edición

La China vítrea de Ron Jude (nacido en 1965 en Estados Unidos) está compuesta por un archivo de fotografías que realizó mientras exploraba áreas de la industria ligera en (principalmente) ciudades del medio oeste de Estados Unidos. En lugar de comentar sobre el funcionamiento de la industria en sí, Jude describe las zonas periféricas del ambiente que se encuentran en estos ambientes: grandes estacionamientos de aparejos, salidas laterales y otros espacios secundarios en los que Jude imagina que su abuelo pudo haber soñado despierto, o dejar que su mente deambulara, durante sus muchos años como operador de hornos en plantas de porcelana vítrea, primero en el Medio Oeste y más tarde en el sur de California.

Suplantando las insuficiencias narrativas de la fotografía con una experiencia alternativa de inmersión atmosférica, Jude explota los rasgos aparentemente fácticos y descriptivos del medio a la vez que persigue momentos de trascendencia subjetiva. Al igual que la relación paradójica entre la belleza superficial de la porcelana vítrea (un recubrimiento de esmalte aplicado a la porcelana) y su función contundente y utilitaria (reforzar inodoros y lavabos), las fotografías, entrelazadas con una serie de textos cortos de Mike Slack, intentan desentrañar una experiencia que abarca tanto la crudeza física de estos espacios como los complejos intangibles de memoria y narrativa codificados en ellos.

Primera edición de 375 ejemplares numerados. Edición especial de 25 ejemplares numerados, con impresión pigmentaria de archivo firmada.

RON JUDE . VITREOUS CHINA

16 cm x 20 cm. 54 páginas. 1 pliegue de puerta. 29 planchas de color. Tapa blanda impresa en offset. Cosido a caballete, en cartulina gris con tipografía en folio blanco.

ISBN 978-91-88113-04-7

Publicado en 2016.